Na década de 1980, antes da internet, dos jogos eletrônicos AAA e das redes sociais, simplesmente ir ao cinema era uma das melhores excursões em família. Assistir a um filme não custava caro e não exigia tempo livre, mas em raras ocasiões, poderia ser mais emocionante do que um parque de diversões ou férias. Especialmente nos anos antes dos VCRs e do vídeo caseiro se tornarem comuns, ver um filme especial com a família poderia capturar a imaginação de uma criança, bem, para sempre. Além disso, olhar para os melhores filmes familiares de cada ano da década de 1980 ajuda a destacar como essa década moldou o que a cultura pop é até hoje.
Para ser claro, isso não é apenas teórico ou boato: eu nasci em 1980. Posso traçar uma linha direta entre o que faço para viver e o impacto que ver filmes de ficção científica com minha mãe teve sobre mim quando criança. Na verdade, tecnicamente eu vi todos os filmes desta lista no cinema, porque minha mãe me levou para vê-los mesmo quando eu era um bebê. (Esses eram cinemas de um dólar, e ela diz que eu nunca estive mais calmo como bebê do que em um cinema escuro e barulhento.) Minha primeira memória de filme é a entrada de 1983, que é onde juro que ganhei consciência. Esses filmes moldaram minha infância, e eu não estou sozinho. Ver esses filmes clássicos, a maioria deles do gênero, é uma memória poderosa para a maioria das pessoas da minha geração. Eles também claramente ainda influenciam a cultura pop hoje.
Em 1980, O Império Contra-Ataca Solidificou Star Wars como um Fenômeno Único na Geração
Foi apenas na reexibição de 1979 que George Lucas começou Uma Nova Esperança chamando-o de “Episódio IV.” Um ano depois, a febre de Star Wars retornou em grande estilo, já que tanto crianças quanto seus pais mal podiam esperar para ver o que aconteceria com Luke Skywalker e a turma a seguir. Alguns eram céticos de que uma sequência poderia superar o primeiro filme inspirador, mas Lucas conseguiu de uma maneira impressionante. O Império Contra-Ataca apresentou Boba Fett, o Imperador, telecinese da Força, Yoda, Lando Calrissian e os pungentes tauntauns por dentro e por fora. Claro, o momento que abalou esta galáxia e a próxima foi quando Darth Vader disse a Luke que ele era Anakin Skywalker logo após cortar a mão de seu filho.
Embora toda arte e narrativa sejam subjetivas, é difícil argumentar contra a afirmação de que O Império Contra-Ataca é o “melhor” filme de Star Wars. Ele apresentou todos os elementos que tornaram Uma Nova Esperança encantador, enquanto expandia o universo vivido de Lucas. O filme é repleto de tensão, já que os heróis estão separados na maior parte do filme. Os confrontos com o Império e Darth Vader são intensamente pessoais sem parecer menos épicos ou grandiosos. E, como Kevin Smith colocou tão eloquentemente em Clerks, O Império Contra-Ataca teve a ousadia de “terminar em uma nota baixa.” Este foi um filme que reavivou o amor de toda a família por Star Wars, enquanto os deixava querendo mais.
George Lucas Se Uniu a Steven Spielberg para Os Caçadores da Arca Perdida de 1981
Após basicamente inventar em equipe o moderno filme blockbuster, George Lucas e Steven Spielberg uniram forças para criar um herói icônico e amado. Assim como em Star Wars, Lucas se inspirou nos antigos seriados de aventura que assistia quando criança para imaginar Indiana Jones e Os Caçadores da Arca Perdida. O filme se passa em uma época em que a arqueologia era basicamente apenas roubo cultural e matar nazistas era o que se fazia. Talvez seja a nostalgia falando, mas Os Caçadores da Arca Perdida é quase perfeito. Neste filme, Indiana Jones era o relutante, não tão herói que Han Solo desejava ser. Junto com a trilha inimitável de John Williams, ver Os Caçadores da Arca Perdida em 1981 parecia como reassistir a um clássico antigo que o público amou por toda a vida.
Claro, esses filmes, mais do que a maioria da década de 1980, não envelheceram completamente bem. Primeiro, seu passado com Marion faz de Indiana Jones um creep. Isso pode ter sido visto como preciso para a época (ou os seriados que inspiraram o filme). Também pode ter sido um pouco intencional, já que Indy não é um cara bom moralmente puro como Luke Skywalker. No entanto, os momentos problemáticos de Os Caçadores da Arca Perdida não se comparam aos antigos Seriais da República. Na verdade, esses elementos narrativos mal envelhecidos apenas reforçam a homenagem, embora de forma não intencional. Ainda assim, o que esses filmes fazem bem ofusca os momentos estranhos e ultrapassados. E em 1981, Os Caçadores da Arca Perdida foi um evento de filme em família que emocionou pais e filhos.
Spielberg Revidou em 1982 com E.T. – O Extraterrestre e Definiu Seu Estilo Para Sempre
Apesar de todas as alegações sobre a natureza impecável da primeira aventura de Indy, a sequência de Steven Spielberg é seu melhor filme de todos os tempos. E.T. – O Extraterrestre definiu o que muitas vezes é chamado de “estilo Amblin”, em homenagem à produtora de Spielberg. Um alienígena fica preso na Terra, levando a uma batalha de vida ou morte com agentes do governo temerosos. No entanto, ao contrário de Star Wars ou Os Caçadores da Arca Perdida, os heróis desta história eram crianças. É uma aventura de tirar o fôlego, mas também captura verdadeiramente a natureza livre da paternidade na década de 1980, que levou a comerciais de TV reprovadores perguntando aos pais se eles sabiam onde seus filhos estavam às 22h. Mesmo antes de E.T. usar seus poderes naquela cena icônica, essas crianças voariam para partes desconhecidas em suas bicicletas sem avisar seus pais.
Notavelmente, E.T. nunca ganhou uma sequência, mas sua natureza única apenas o tornou mais especial. O filme foi um evento familiar, e foi único porque os adultos ficaram em segundo plano em relação às crianças. Por toda sua aventura e elementos de ficção científica, a parte mais importante de E.T. é a história de amizade entre o alienígena titular e Elliot. Eles se tornam tão próximos que literalmente não conseguem viver um sem o outro. Esse relacionamento impulsiona o filme e é tão poderoso que o final é o tipo perfeito de devastador. Quando E.T. recebe uma carona de volta para casa, os espectadores anseiam para que ele não vá. Ainda assim, E.T. estava certo ao dizer a Elliot que ele estaria “bem aqui”, significando em seu coração. Mas a realidade era que o lar do estranho alienígena de olhos esbugalhados estava nos corações de uma geração de espectadores de cinema.
O Retorno de Jedi de 1983 Trouxe Star Wars a um ‘Fim’, mas Foi um Presságio para o Fandom Divisivo
Apesar do quase unânime aclamação de seu predecessor, há um argumento igualmente forte de que O Retorno de Jedi é o melhor filme de Star Wars. Assim como O Império Contra-Ataca, o conflito é profundamente pessoal, pelo menos para Luke Skywalker. No entanto, o filme também apresenta novos monstros incríveis, enormes batalhas espaciais, novos alienígenas intrigantes e, claro, Luke Skywalker no auge de seus poderes. O filme também reúne o trio central para duas aventuras de alto risco, e apresenta cenas que sublinham os laços que compartilham. Acima de tudo, o clímax do filme é um ato revolucionário e desafiador para um filme de ação da década de 1980. Para “vencer”, o herói — Luke Skywalker — se recusa a matar o vilão — Darth Vader — e salva as almas de ambos. É ainda uma poderosa e profunda mensagem de compaixão, contenção e respeito pela vida.
Infelizmente, algumas reações a O Retorno de Jedi são profundamente reminiscente do vitriolo do fandom que saudou as trilogias de prelúdio e sequência. Veio principalmente de fãs mais velhos. Eles odiavam os Ewoks. Boba Fett “morrendo” como um fraco os incomodava. Alguns achavam ridículo que um povo indígena como os Ewoks pudesse derrotar uma máquina de guerra tecnologicamente avançada como o Império. (Veja: Vietnã.) Eles também perderam completamente o ponto por trás de Luke poupando a vida de seu pai. Essa avaliação do filme praticamente desapareceu hoje, e os haters e detratores não importavam em 1983, também. O Retorno de Jedi foi o épico final de Star Wars, e foi uma ocasião especial para as famílias que viram os três juntos. Foi ainda mais especial para as crianças mais novas para quem O Retorno de Jedi era sua principal memória da febre original de Star Wars.
Em 1984, uma Comédia Sobrenatural Engraçada Chamado Os Caça-Fantasmas Gerou uma Franquia Inesperada
A obsessão de Dan Aykroyd pelo oculto o inspirou a escrever um filme sobre capturar fantasmas que era sério, assustador e ambientado em um futuro distante. Limitações orçamentárias, relutância do estúdio e a trágica morte de John Belushi levaram à comédia sobrenatural de 1984 que fez “Quem você vai chamar?” um bordão atemporal. O que realmente acabou sendo “quebrado” pelos Caça-Fantasmas foram os padrões de gênero limitados. O filme é uma comédia adulta no estilo de outros dos primeiros jogadores do SNL e Second City. No entanto, também é uma aventura de ficção científica assustadora com heróis em fantasias e pistolas de raios salvando a cidade. É um comentário irônico sobre a cultura focada nos negócios da década de 1980 e batalhas com reguladores públicos. Claro, também foi uma comédia familiar que as crianças adoraram.
Quase inacreditavelmente, os Caça-Fantasmas se tornaram uma franquia de filmes e TV com mais erros do que acertos. No entanto, nenhuma sequência ou desenho animado ousado dos anos 1990 pode minar o que tornou aquele primeiro filme tão especial. Os personagens são partes iguais de nerds e legais. É um filme de fantasia com uma narrativa enraizada na ciência e na tecnologia. Os Caça-Fantasmas eram grandes heróis, mas também eram enormes fracassos. Desde a música até a aparência do filme, tudo sobre este clássico familiar de 1984 é icônico. Na verdade, Os Caça-Fantasmas é tão perfeito e poderoso que, não importa quantas vezes filmes ou séries de sequência falhem, todos estão dispostos a tentar mais uma vez.
Michael J. Fox Se Tornou uma Verdadeira Estrela de Cinema em 1985 com De Volta para o Futuro
A programação de filmes de 1985 está repleta de tudo, desde obras-primas cinematográficas icônicas até alguns dos cult classics mais clássicos da história. No entanto, mesmo clássicos como Os Goonies ou A Grande Aventura do Pee-Wee não eram exatamente sensações para toda a família. A única exceção foi uma aventura de viagem no tempo de Bob Gale e Robert Zemeckis estrelando o filho favorito da TV, Michael J. Fox. Em talvez o melhor verão de todos os tempos para filmes, De Volta para o Futuro superou todos a 88 MPH. Crianças e adultos queriam ser Marty McFly, um dos personagens “cool loser” perfeitos dos anos 1980. O filme era emocionante, engraçado e desafiava o público, e não apenas porque Marty quase ficou com sua própria mãe. O conceito maluco de viagem no tempo, reforçado pelo frenético Doc Brown de Christopher Lloyd, se misturou perfeitamente com uma jornada surpreendentemente emocional e triunfante.
De tudo que é ótimo em De Volta para o Futuro, há um elemento narrativo que torna o filme ainda mais relevante hoje. O conflito e a tensão na história estão ligados à confiabilidade involuntariamente precisa de um DeLorean, mas os “vilões” do filme são valentões. Marty McFly não é um durão de filme dos anos 1980, mais mastigando chicletes e menos chutando traseiros. Ele triunfa ao enganar seus adversários, usando bondade e carisma para inspirar todos, desde seus pais até Doc Brown e o primo Chuck de Marvin Berry. De Volta para o Futuro foi uma sensação de filme em família porque espectadores de todas as idades podiam se ver (ou quem queriam ser) em Marty.
Um Rato Animado Trouxe a Experiência Imigrante à Vida em 1986 com Uma Vida Americana
Se houvesse qualquer verdadeira justiça no mundo, o evento de filme familiar de 1986 teria sido a brilhante fantasia sombria de Jim Henson, Labirinto. Infelizmente, esse filme não se tornou um clássico cult até o vídeo caseiro e a sindicação na TV. Em vez disso, o veterano da animação da Disney, Don Bluth, contou uma história sobre a determinação tenaz na experiência imigrante com um filme comovente sobre um rato dolorosamente fofo chamado Fievel. Uma Vida Americana realmente recebeu críticas mistas, mas fez sucesso nas bilheteiras.
Uma trilha sonora emocionante de James Horner elevou o recurso animado, mas também apresentou músicas surpreendentemente cativantes que fizeram as crianças proclamarem que não há castas na América. Todos estavam cantando para alguém “Em Algum Lugar Por Aí”, graças à versão pop da música de Linda Ronstadt e James Ingram. Uma Vida Americana também ajudou a revitalizar a animação em longa-metragem, tornando-se a estreia animada de maior bilheteira. Também superou o filme da Disney, O Grande Detetive do Rato.
O Clássico Familiar de 1987 de Rob Reiner, A Princesa Prometida, Foi Repetido em Refeitórios Escolares por Anos
A horrível morte de Rob Reiner quebrou os corações coletivos dos amantes do cinema ao redor do mundo. A contribuição do ator e diretor para o cinema e a cultura pop é quase imensurável, mas o evento teatral familiar de 1987 pode ser o seu melhor. A Princesa Prometida é um conto de fadas sem remorsos que impossivelmente equilibra entre uma épica de gênero séria e uma comédia metaficcional moderna. Cenas de um avô lendo para um jovem menino estabeleceram uma fundação que poderia suportar drama de alta fantasia e comédia autoconsciente ao mesmo tempo. Personagens como Inigo Montoya, Buttercup, Fezzik e, claro, o temido Pirata Roberts foram instantaneamente entrelaçados no tecido da cultura pop. Os pais foram lembrados dos filmes de espadachins sonhadores da metade do século 20, enquanto as crianças levaram a história ao pé da letra.
Há dezenas, talvez centenas de pequenos detalhes e movimentos narrativos que tornam A Princesa Prometida um clássico familiar tão amado. No entanto, há um elemento que captura como o filme quase impossivelmente ocupa dois lugares de gênero ao mesmo tempo. A virada triunfante e climática na batalha final é essencialmente uma piada boba, mas também é uma reviravolta de fantasia legitimamente ótima. A maioria dos espectadores simplesmente a perde, mas aqueles que notam Inigo e Westley duelando com a mão esquerda a descartam como um erro de continuidade em um filme principalmente bobo. De qualquer forma, quando eles chamam a atenção para isso e trocam de mãos para vencer a batalha, o público ri e torce ao mesmo tempo.
Misturando Animação e Ação Ao Vivo, Quem Matou Roger Rabbit? de 1988 Foi Pura Magia Cinematográfica
Muitos dos filmes desta lista usaram efeitos especiais impressionantes e difíceis para trazer coisas impossíveis como espaçonaves, amigos alienígenas de pescoço longo ou homens de marshmallow à vida. Em 1988, Quem Matou Roger Rabbit? entregou um tipo diferente de magia cinematográfica ao público. Personagens animados e atores ao vivo compartilharam a tela muitas vezes antes, mas este filme aperfeiçoou a técnica. A própria história ajudou a vendê-la, tratando a animação como uma extensão de Hollywood, incluindo tanto personagens icônicos da Disney quanto da Warner Bros. As travessuras impossíveis e malucas dos ‘Toons se tornaram tanto um “superpoder” quanto o estilo individual dos personagens.
Embora Quem Matou Roger Rabbit? tenha sido um verdadeiro evento de filme em família, ele contém algumas das cenas animadas mais controversas da Disney. O filme é incrivelmente capaz de diferenciar entre a violência de cartoon maluca e momentos genuínos e assustadores com consequências. Claro, a Jessica Rabbit, vestida de forma escassa e com proporções impossíveis, também foi um ponto de discórdia. Seu apelo sexual é uma parte chave de seu personagem (e não sem um precedente histórico genuíno), e assume um tom diferente quando ela flerta com o personagem de ação ao vivo interpretado por Bob Hoskins. Ainda assim, esses elementos também são o motivo pelo qual o filme ressoou com os espectadores adultos, e deu a Quem Matou Roger Rabbit? uma espécie de “maturidade” perigosa e ousada à qual as crianças responderam.
Em 1989, A Pequena Sereia Levou a um Novo Mundo de Domínio dos Filmes Familiares da Disney
Seja as duras críticas ao remake em live-action de 2023 parecem válidas ou exageradas, tentar refazer A Pequena Sereia foi uma tarefa inútil desde o início. O recurso animado de 1989 é famoso por dar início a uma corrida lendária da animação da Disney, mas mesmo por si só, este filme era algo especial. Ostensivamente um filme sobre uma princesa ansiando por amor, o rico estilo visual, uma trilha sonora cheia de músicas cativantes e personagens adoráveis e humorísticos capturaram a imaginação de crianças de todas as idades, incluindo os adultos. A Pequena Sereia elevou o que Uma Vida Americana fez, e foi um sucesso com as famílias porque não parecia um “desenho animado”, mas um “filme de verdade.”
Claro, a diferença entre um sucesso esquecível e um filme verdadeiramente clássico muitas vezes se resume ao vilão. Ursula entregou, e sua transformação no terceiro ato deu pesadelos a toda uma geração de crianças. Apesar de alguns tropos que eram problemáticos mesmo em 1989 e da lógica de conto de fadas ao longo da história, crianças e adultos compraram as consequências. Alguns temiam pela jovem Ariel e desejavam que ela encontrasse o verdadeiro amor. Outros gritavam na tela que o velho príncipe Eric não valia a pena ou que Ariel era uma criança ingênua e privilegiada que merecia o que Ursula preparou para ela. Este filme triunfou porque era lindo de se ver, difícil de não cantar junto e, acima de tudo, pura diversão cinematográfica.
