Nos últimos anos, animes de ficção científica não têm se baseado em espetáculo, ataques apocalípticos ou pesadas exposições para mostrar algo extraordinário. Em vez disso, muitos animes de ficção científica usam seus elementos de ficção científica como ferramentas estruturais para questionar a identidade, sistemas e percepção dos personagens através da tecnologia, mundos alternativos e sociedades futuras.
Como resultado, às vezes esses tipos de animes passam despercebidos pela atenção do público mainstream, não por falta de qualidade, mas porque exigem diferentes tipos de atenção. Seja através de inteligência artificial, realidades paralelas ou o mundo pós-humano, alguns animes de ficção científica mostram um ambiente inquietante onde o foco real está nas pessoas, e não no conceito elevado da série em si.
Sonny Boy Trata o Ambiente de Ficção Científica como Exploração Existencial
O diretor Shingo Natsume descreve Sonny Boy como uma história inesperadamente simples, e isso faz sentido, já que o surrealismo no anime é superficial, a confusão é intencional, e os temas de amadurecimento discutem resistência e raiva como formas de mudança. A jornada do protagonista Nagara se torna uma metáfora para encontrar propósito e aprender a se engajar proativamente com o mundo. Sonny Boy se recusa a mostrar personagens vencendo o sistema. Em vez disso, eles se adaptam a ele ou se desligam emocionalmente dele.
O primeiro episódio de Sonny Boy não tem música alguma, com episódios posteriores também apresentando música mínima e o fundo mostrando visuais inspirados na arte. Além disso, Sonny Boy não faz nenhum trabalho interpretativo para seus espectadores, e as visões filosóficas do criador, bem como reflexões culturais e pessoais, são evidentes ao longo do anime, com pouco uso de monólogos e eventuais saltos sobre eventos importantes para focar nas reações dos personagens.
Vivy: Fluorite Eye’s Song Trata Viagem no Tempo como Carga Ética
Vivy tem que fazer as pessoas felizes com suas canções e o anime questiona o que significa para uma IA perseguir um objetivo que ainda não entende. As instruções vagas levam Vivy a se sentir aprisionada, mas a linha do tempo de cem anos a força a buscar o que seu coração realmente deseja. Ao longo do anime, Vivy tem que pensar sobre mudar a história como um ato justificado, enquanto o Projeto Singularidade causa consequências ao longo de décadas.
Vivy: Fluorite Eye’s Song também possui uma coreografia de luta brilhante, mas constantemente retorna aos sentimentos de Vivy e à questão de se toda a sua existência se resume a uma única coisa. Tappei Nagatsuki escreveu o anime e o WIT Studio o animou, com as sequências de ação de Vivy: Fluorite Eye’s Song sendo algumas das melhores de 2021.
Heavenly Delusion Constrói seu Mundo de Ficção Científica Através da Desconexão
O autor do mangá Ishiguro nomeou Heavenly Delusion de Tengoku Daimakyo, que significa aproximadamente um contraste entre céu e algo monstruoso, e é aí que o anime ganha ambas as partes da contradição. Em uma narrativa, crianças estão dentro de uma instalação chamada Heaven e não têm ideia do mundo exterior, enquanto a outra metade é sobre dois adolescentes atravessando um Japão pós-apocalíptico infestado de monstros em busca da referida instalação, apenas sabendo seu nome.
Os espectadores de Heavenly Delusion têm que fazer sentido de duas linhas do tempo, bem como monstros, tecnologia e instituições, já que todos esses elementos criam coerência sem explicação. A gama tonal de Heavenly Delusion é o que o torna incomum e único de assistir, porque em um ponto, a química e o timing cômico de Kiruko e Maru são refrescantes, mas as sequências na instalação carregam um horror institucional.
Metallic Rouge Usa Identidade Android para Questionar Liberdade
O estúdio BONES comemorou seu 25º aniversário fazendo Metallic Rouge, que usa operativos androides e organizações secretas para expor o estado sombrio de seu mundo. Mesmo quando os Neans se assemelham a humanos e trabalham tão de perto com eles, as pessoas os tratam como cidadãos de segunda classe e até roubam Nectar, a injeção química que sustenta a vida dos Neans.
O papel de Rouge como sujeito e aplicadora desse sistema cria uma contradição entre manter e resistir ao controle. O problema central da série é Rouge caçando seu próprio povo pelo mesmo sistema que os oprime, um conflito que eventualmente chega a uma resolução satisfatória. A animação também é uma das melhores que a BONES já produziu.
The Orbital Children Mostra Sistemas Realistas Dentro da Órbita
Por trás de sua superfície de ‘crianças perdidas no espaço’, The Orbital Children trata da relação da humanidade com a tecnologia, niilismo e a luta contra o destino de uma maneira mais profunda e não estética. O escritor, Mitsuo Iso, escreveu The Orbital Children após perceber que a ficção científica não precisa estar relacionada ao espaço; ela também pode simplesmente retratar a vida cotidiana em órbita com lojas de conveniência e influenciadores de mídia social operando em uma estação espacial como fariam em qualquer outro lugar.
Há um hiato cognitivo entre crianças da lua e crianças nascidas na terra, e The Orbital Children tenta mostrar como é crescer nativo em um ambiente tecnológico em vez de se adaptar a um. Com apenas seis episódios, The Orbital Children não parece limitante, em vez disso, mostra uma restrição deliberada com a ciência dura sustentando as mecânicas de sobrevivência de uma maneira que dá à história stakes que nenhum outro anime de ficção científica se preocupa em ter.
Akudama Drive Mostra Criminalidade Através de Estéticas Cyberpunk
Inspirados por Reservoir Dogs de Quentin Tarantino, os protagonistas de Akudama Drive são na verdade criminosos com suas próprias profissões específicas, acabando em posições deterioradas onde têm que assistir uns aos outros morrer. Akudama Drive inicialmente apresenta seus personagens, Courier, Brawler e Hacker, como arquétipos, e mostra sua rebelião na ordem tecnológica. A transformação de Swindler expõe quão fácil é atribuir criminalidade às pessoas, e sua evolução não se trata de ganhar poder, mas de reconhecer a artificialidade do sistema.
Do ponto de vista da produção, o Studio Pierrot e Too Kyo Games fazem de Akudama Drive um espetáculo visual através de luzes piscantes, outdoors extravagantes e caos neon. O cenário cyberpunk mostra como a identidade é fabricada, e o estado controla a verdade. Como resultado, Akudama Drive critica a autoridade e mostra que vigiar e categorizar as pessoas se torna um catalisador para seu comportamento criminoso.
Urasekai Picnic Trata Mundos Paralelos como Lugares Psicológicos
Combinando horror cósmico e física especulativa, Urasekai Picnic adapta o romance de Iori Miyazawa com o mesmo nome em um híbrido de lenda urbana e ficção científica dimensional. As anomalias que os personagens encontram em Urasekai Picnic não são apenas ameaças externas, mas uma reflexão de medos, lendas urbanas e ansiedades subconscientes.
A abordagem de Sorawo ao Outro Lado não é aventureira, e ela não quer entendê-lo; ela só quer sobreviver a ele identificando padrões. No geral, o ritmo lento de Urasekai Picnic, menos aventureiro e mais investigativo, torna a captura dos mecanismos do folclore da era digital através de algoritmo e mito uma experiência interessante.
AI no Idenshi Explora IA Através da Ética Médica
Ao focar em casos individuais em vez de conflitos em larga escala, AI no Idenshi trata cada episódio como um estudo clínico para abordar questões relacionadas à IA como dilemas éticos, em vez de problemas tecnológicos. O Dr. Hikaru Sudo, um médico para pacientes de IA, demonstra lógica e compaixão entre casos complexos de identidade e emoções em um mundo onde humanoides vivem ao lado de humanos.
A Madhouse adaptou AI no Idenshi em um anime onde a ficção científica encontra empatia e bioética, com temas relacionados à consciência, a ética envolvida em ser médico e avaliação tecnológica. O design de som esparso com animação realista amplifica o realismo médico inquietante com a investigação existencial encontrada em AI no Idenshi.
Eden Mostra a Sociedade Pós-Humana e Seus Restos
O formato compacto de Eden, com apenas quatro episódios e um estilo de arte semelhante ao da Pixar, apresenta o legado da humanidade em um mundo dominado por robôs, e examina um cenário onde a humanidade não é o centro de tudo. Os robôs que governam a terra não estão se rebelando ou apresentando falhas, e dois robôs criando secretamente uma criança humana mostram uma sociedade robótica aprendendo ética emocional através da ausência humana.
Há um certo nível de imprevisibilidade com a presença de Sara, e as reações dos robôs a ela não são crescimento emocional, mas sim uma desvio de sua programação. Cada detalhe tecnológico em Eden, desde a infraestrutura de IA até o colapso ambiental, parece uma graça simbólica, sugerindo que a mudança não requer uma grande revolução.
SAKUGAN Traz Conflito Entre Conhecimento e Exploração
Uma adaptação do romance Sakugan Labyrinth Marker, SAKUGAN do estúdio Satelight tem uma mistura de aventura e ficção científica dura que se transforma em uma odisséia familiar sobre uma dupla pai-filha explorando colônias subterrâneas após o colapso ecológico. Em vez de tratar a exploração como algo positivo, SAKUGAN a retrata como algo tenso, pois o mundo subterrâneo é perigoso, e o custo da curiosidade vem com algum risco.
A inteligência de Memempu a faz interpretar o labirinto de maneiras que outros não conseguem, mas seu cérebro também continua a empurrá-la em direção ao perigo. Os elementos de ficção científica em SAKUGAN são menos sobre descoberta e mais sobre as consequências que a busca pelo conhecimento traz.
Para mais informações sobre animes e cultura pop, visite Central Nerdverse e confira também CBR.
