Os Desafios do Anime Moderno com um Conceito Fundamental que o Studio Ghibli Dominou Décadas Atrás

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Enquanto o anime passou por alguns momentos difíceis, o Studio Ghibli é repetidamente elogiado por sua representação duradoura e inspiradora de mulheres reais.

Resumo

Quando se trata de comparar a indústria de animes com o Studio Ghibli, existem muitos detalhes que diferenciam os dois. Os animes são mais considerados entretenimento, enquanto o Ghibli serve como arte. O marketing do Studio Ghibli é um amplo espectro que reflete diversos temas da humanidade, enquanto os animes possuem grupos de marketing designados que categorizam temas. Há muito na comparação de animes com o Ghibli, mas o ponto mais frequente de discussão é a representação feminina.

Em relação à criação de personagens femininas, a indústria de anime e o Studio Ghibli têm reputações opostas. O anime é conhecido por ter personagens femininas mal desenvolvidas, mas houve avanços na mudança dessa representação. À medida que o anime passou por várias tendências e as personagens femininas foram criadas gradualmente com mais cuidado, o Studio Ghibli é repetidamente elogiado por sua representação duradoura e inspiradora de mulheres reais.

Anime sempre teve um problema com mulheres

À primeira vista, a indústria de animes apresenta predominantemente personagens masculinos. As séries Shonen — animes e mangás voltados para adolescentes do sexo masculino — são as mais populares e bem-sucedidas em termos de demografia, e os personagens mais populares e icônicos são todos do sexo masculino. Isso não é tanto uma falha da indústria quanto um reflexo de como a comunidade de animes optou por apoiar certas séries em detrimento de outras. O verdadeiro problema surge quando não há espaço para mulheres bem escritas mesmo nessas franquias dominadas por homens. Embora seja importante ter variedade de protagonistas, as repetidas falhas da indústria em pelo menos ter personagens secundárias decentes são um sinal terrível por si só. Ao focar na fraca representação das mulheres, há muitos erros que os animes vêm cometendo há décadas.

Uma das piores formas de mau uso de personagens femininas no anime é o fan service e a objetificação sexual das mulheres, independentemente da idade: cenas de saias levantando, apalpações não consensuais, linguagem corporal sugestiva – seja intencional ou acidental – e a infame animação dos seios das mulheres. Esses momentos muitas vezes são retratados com humor ou apenas para entreter o que é comumente referido como o olhar masculino. Essa sexualização de personagens estritamente femininas acontece em diversos gêneros de anime e é mais proeminente no público shonen.

Mesmo que muitos dos personagens envolvidos sejam menores de idade, esses tons sexuais são colocados na frente e no centro de qualquer cena. Essa ideia de fanservice é mostrada repetidamente no anime Bleach, que foi ao ar em 2004. O personagem principal é o estudante do ensino médio Ichigo Kurosaki e acompanha sua jornada para se tornar um Ceifador de Almas. Embora o anime tenha uma quantidade surpreendente de personagens femininas fortes e independentes, há a persistência inevitável do fanservice, transformando essas poderosas guerreiras em pin-ups. A pior e melhor personagem feminina desta época é Yoruichi Shihōin. Ela está em uma classe própria em termos de luta e experiência, mas sua tendência a ficar nua na frente de Ichigo e rir de sua reação constrangida é um detalhe que não é necessário.

Muitas séries tiveram a personagem feminina secundária desempenhando o papel singular de “interesse amoroso” com um grande destaque em sua aparência e corpo físico. Isso levou a uma tendência comum das mulheres nos animes serem tratadas mais como uma recompensa pelos esforços do herói. Algumas podem ter uma personalidade interessante ou habilidades, mas uma vez que o subtexto romântico começa a aparecer, elas se tornam mais fracas e apenas servem para apoiar os objetivos do protagonista. Isso acontece com a Chi-Chi de Dragon Ball e a Misa Amane de Death Note. Tanto Chi-Chi quanto Misa têm habilidades e jornadas de personagem importantes, mas uma vez que se envolvem romanticamente com seus colegas masculinos, Goku e Light, elas se tornam apoio em segundo plano e os únicos detalhes que importam são aqueles que apoiam seus parceiros significativos.

Uma das tendências mais comuns com personagens femininas de anime é essa tendência de enfraquecê-las ou interromper seu progresso . Sakura Haruno, de Naruto, é um exemplo infame dessa tendência. Sakura começa sua jornada como a típica jovem, obcecada por seu crush, Sasuke, e como uma das personagens mais fracas – ela também é coincidentemente o crush do personagem principal. Conforme o anime progride, no entanto, Sakura revela sua inteligência e habilidade natural no controle de chakra. Ao contrário de Naruto e Sasuke, Sakura não tem muita experiência em combate e, compreensivelmente, congela em suas primeiras batalhas. Conforme ela se torna uma jovem mais confiante, ela reconhece que seu crush em Sasuke não é a coisa mais importante, e ela aprende a equilibrar suas forças físicas com uma nova capacidade em direção à compaixão. Ela alcança novos patamares em Naruto: Shippuden e começa a se destacar por si mesma.

Em Shippuden, Sakura é definida por sua força bruta equilibrada por sua inteligência e ninjutsu de cura. Ela alcança um novo nível de respeito de seus amigos e da audiência quando derrota o membro da Akatsuki Sasori, mostrando sinais de resiliência, tenacidade e estratégia combativa que emocionaram a todos que testemunharam. Essa grande luta é o ponto alto da jornada de Sakura, mas logo depois, seu papel e crescimento tiveram uma interrupção abrupta. Com um foco nos sentimentos românticos de Sakura, seu papel se tornou o de suporte para que o crescimento de Naruto e Sasuke pudesse estar no centro das atenções. Enquanto muitos personagens secundários na série foram esquecidos, como Sakura, seu foco obstinado em emoções em detrimento da inteligência arruinou seu personagem e continuou a tendência de personagens femininas mais fracas.

O final dos anos 2000 não viu muitas séries melhores em termos de representação feminina. Na verdade, piorou. Ao mesmo tempo que Death Note apresentou ao mundo a amplamente impopular Misa Amane, o anime A Melancolia de Haruhi Suzumiya foi lançado em 2006. Este anime trouxe um novo conjunto de tendências questionáveis para a indústria. Enquanto a protagonista é uma personagem feminina, Haruhi envelhece terrivelmente como uma personagem mimada, manipuladora e perigosamente emocional. Seu tratamento específico com a personagem secundária Mikuru apenas adiciona mais combustível às piores tendências nos animes.

Enquanto o protagonista Kyon está inevitavelmente destinado a estar em um relacionamento romântico com Haruhi — para ser justo, se ele a rejeitar, ela provavelmente destruirá o mundo — ele tem uma queda óbvia por Mikuru. Sua aparência atraente e personalidade dócil são os poucos detalhes da personagem Mikuru. Apesar de ser inocente em relação à sua sexualidade, Haruhi veste Mikuru à força com qualquer traje de cosplay que ela queira e muitas vezes apalpa Mikuru se não estiver fazendo isso com outro personagem. Haruhi Suzumiya se tornou uma peça icônica da história do anime e retrocedeu tremendamente a representação das mulheres. Novas séries de anime fariam melhorias ao longo do tempo, mas isso não se compara ao padrão do Studio Ghibli dos anos 80.

Studio Ghibli Trata Suas Personagens Femininas Como Seres Humanos

Iniciando na década de 1980, o Studio Ghibli rapidamente se tornou conhecido como uma das maiores fontes de obras-primas cinematográficas animadas. Cada filme ao longo das décadas foi elogiado pela aparência cuidadosamente criada, sensação e significado de suas histórias fascinantes. Liderando esses filmes estão mulheres incríveis que provam que uma protagonista feminina pode ser tão envolvente e inspiradora quanto um protagonista masculino. Uma parte importante da abordagem do Ghibli é não depender de estereótipos de gênero.

Cada personagem feminina, seja ela a protagonista ou em um papel de apoio, não é sobrecarregada pelas tendências de atratividade física, pressões ou mesmo lembretes de papéis de gênero dos animes. Comentários negativos como “para uma garota” ou conversas forçadas sobre casamento e filhos nunca são mencionados nos filmes do Estúdio Ghibli. Embora certos personagens sejam mencionados como estando em um “papel masculino” (por exemplo, a Dama Eboshi de Princesa Mononoke e Kushana de Nausicaä do Vale do Vento), essa referência é mencionada apenas uma ou duas vezes e não têm tanto impacto na narrativa quanto as próprias personagens. Por deixarem de lado os estereótipos de gênero, Hayao Miyazaki e sua equipe de produção podem se concentrar mais no desenvolvimento real dos personagens.

Cada heroína do Studio Ghibli tem uma jornada completa de crescimento. Elas começam com falhas e concepções erradas que mantêm com paixão por razões pessoais, mas eventualmente corrigem suas falhas para se tornarem versões melhores de si mesmas. Dois dos exemplos mais icônicos são San de Princesa Mononoke e Chihiro de A Viagem de Chihiro.

San inicia sua história com a determinação de lutar contra os humanos de Irontown e proteger sua casa, a floresta. Ela é uma guerreira tenaz com habilidades de velocidade e armas, mas seus defeitos estão em sua teimosia e atitude obstinada. O protagonista Ashitaka — que deseja a paz entre Irontown e a Floresta — acalma a situação hostil entre San e a líder de Irontown, Lady Eboshi. Enquanto a princesa está certa em defender sua terra natal, ela não percebe que é uma humana que odeia sua própria espécie. Os Espíritos foram gentis ao criá-la, mas tanto eles quanto os cidadãos de Irontown não conseguem enxergar além de suas próprias necessidades e encontrar uma maneira de fazer compromissos e viver lado a lado.

A firme crença de San em sua causa é a parte central de seu personagem, e mesmo que ela seja influenciada por Ashitaka, o subtexto romântico deles não tira o foco de seu personagem. Ela permanece como a garota resoluta e feroz do início ao fim, mas ao final, ela aprendeu a ser mais mente aberta. No que diz respeito ao relacionamento de San com Ashitaka, há muitas dicas de que eles têm sentimentos românticos um pelo outro. Ainda assim, o relacionamento deles nunca é um assunto de grande importância para a história. Os principais detalhes são as crenças de cada personagem e como eles podem aprender a coexistir.

Para Chihiro, a garotinha começa sua história temendo a mudança. Sua família está se mudando para uma nova cidade, o que significa que Chihiro está deixando para trás tudo o que um dia lhe era familiar. Ela começa como uma criança mimada e irritante, mas quando seus pais fazem um breve desvio e são subsequentemente capturados por espíritos, Chihiro é forçada a ser corajosa. Para salvar seus pais, ela segue o conselho de Haku, que diz a ela para convencer o dono do balneário local a lhe dar trabalho. Indisciplinada e terrivelmente mal-educada, Chihiro trabalha duro em seu emprego e, apesar de algumas lágrimas emocionais breves, ela mostra uma quantidade inesperada de determinação.

De suas experiências, boas e ruins, Chihiro ganha a força para continuar focada em resgatar seus pais. Ela nunca se distrai com quaisquer recompensas de ouro ou romance, porque nenhum dos dois é significativamente importante para ela. Como em muitos filmes do Studio Ghibli, há romance na narrativa, mas mais do que entreter o público, esses relacionamentos são projetados para apoiar o desenvolvimento do personagem e, por extensão, o desenvolvimento do enredo. A compaixão de Haku por Chihiro dá à garota o apoio que ela precisa, mas também mostra outra camada do personagem chave. Do lado de Chihiro nessa relação, ela nunca foca em Haku como um interesse amoroso — como San em Princesa Mononoke — e o trata como um amigo próximo.

A sutil romance entre Chihiro e Haku também funciona porque Chihiro é apenas uma criança e deve se concentrar em salvar seus pais. A cena em que ambos estão caindo livremente no céu e se beijando de nariz de forma adorável é uma parte climática do crescimento um do outro, que foi cuidadosamente construída por temas de romance. Este é um momento crítico para Chihiro porque mostra que seus medos se foram, e seu foco principal está nos novos relacionamentos que ela construiu em sua aventura.

Anime Moderno Fez Progresso Gradual com Representação

O início dos anos 2010 dos animes foi um começo turbulento para uma nova década, mas ao longo do tempo e através dos anos 2020, até agora, houve progresso com a representação feminina nos animes. Personagens femininas mais fortes deixam muito mais impressão nos espectadores nesta era, mas há o persistente trope de fanservice que leva anos para começar a desaparecer. Os piores de todos são as séries High School of the Dead (2010) e Fire Force (2019).

Abrindo a nova década, High School of the Dead certamente popularizou o gênero de horror no anime, mas esses elementos de horror falham em impressionar quando há cenas focadas nas roupas íntimas de uma garota enquanto ela está sendo comida por zumbis. Elementos de fan service se tornaram uma parte consistente da série, mas não passavam de um choque pervertido para a audiência. Embora este anime seja conhecido por seu foco experimental, ele não é tão detestado quanto Fire Force. Fire Force pegou elementos de ação shonen e criou uma experiência emocionante única com um tema inexplorado – elementos de bombeiros misturados com fantasia. Infelizmente, a queda da série é a sexualização da personagem Tamaki.

Tamaki é uma das lutadoras da série, mas em vez de tratá-la como uma camarada, um dos personagens masculinos a apalpa sempre que pode só porque ela é uma mulher. Como na maioria dos animes, não há repercussões ao ultrapassar os limites do corpo de uma mulher, e Tamaki é repetidamente violada. Vários animes ao longo da década de 2010 têm esse problema comum de sexualização das mulheres, e o desenvolvimento desses personagens não equilibra essa questão. My Hero Academia é uma das séries culpadas.

Enquanto My Hero Academia, ou MHA para abreviar, fez progressos significativos em personagens femininas bem escritas, a persistência do fan service ainda está presente ao longo da série. Desde cosplays desnecessários até um episódio filler apresentando apenas as garotas de maiô, MHA só vai até certo ponto para se afastar dos tropos tóxicos do passado. Os poucos animes mainstream que valem a pena mencionar por seu progresso na representação feminina são Attack on Titan (2013), Jujutsu Kaisen (2020) e Hell’s Paradise (2023).

Attack on Titan Mikasa Ackerman evita muitos dos clichês que arruinaram personagens femininas. Ela nunca é objetificada sexualmente, e sua jornada emocional não termina por causa do homem que ela ama. Mikasa pode ter se juntado à milícia por causa de Eren Yaeger, mas isso não tira muito de seu desenvolvimento. À medida que os amigos de infância avançam em sua jornada, reviravoltas eventualmente levam Eren a deixar Mikasa. Isso não a deixa desmoronada como acontece com Sakura Haruno em Naruto quando Sasuke vai embora, e Mikasa é forçada a encontrar sua própria força.

Jujutsu Kaisen ficou famoso por sua representação das mulheres em ação. O único fan service neste anime acontece com os homens, enquanto as personagens femininas sobrevivem de batalha em batalha para conquistar sua reputação através de treinamento diligente e aprendizado com erros severos. Elas passam por uma jornada de personagem que nunca é interrompida por um personagem masculino. Uma das partes mais refrescantes desta série é o fato de que o romance é tão insignificante, e as amizades platônicas são um detalhe fundamental. A personagem Nobara Kugisaki é uma adolescente determinada que pode parecer arrogante, mas aprende a ser gentil com seus amigos. Ela conquista seu lugar como uma Feiticeira Jujutsu usando estratégia, sagacidade astuta e uma determinação feroz para vencer. Nobara não é a personagem mais forte da série, mas mesmo quando é encurralada pelo inimigo, ela mantém sua dignidade e nunca pede para ser salva.

No ano passado, uma nova mulher estabeleceu um novo padrão para a representação feminina nos animes. Em Hell’s Paradise, Sagiri Yamada Asaemon é uma guerreira samurai do famoso clã Asaemon, que trabalha diretamente para o principal Shogun. Ela tem a missão de encontrar um criminoso para perdoar em troca de encontrar um elixir lendário que dizem conceder a vida eterna. Embora seja uma executora experiente e siga os princípios da lei, ela enxerga o ser humano no criminoso Gabimaru. Como dupla, ambos os personagens principais lidam com o equilíbrio entre a violência e a compaixão. Para Sagiri, tirar vidas sempre foi difícil para ela, mas como membro de uma família incompreendida, ela prefere ser ostracizada pela sociedade como guerreira do que como uma mulher típica.

Sagiri tem suas falhas de hesitar em tirar uma vida, e esse conflito interno é resolvido pela sua própria força. Embora seja previsto que Sagiri morra na busca pelo elixir, ela sobrevive por causa de suas habilidades bem conquistadas. O anime leva um tempo cuidadoso para desenvolver o personagem de Sagiri enquanto ela supera suas ansiedades. Há indícios de fanservice nas cenas visuais do corpo nu de Sagiri, mas essas cenas retratam sua ansiedade ao ser dominada pelo medo de ser assassinada. São muito poéticas e significativas para serem consideradas fanservice.

Anime Ainda Não Alcança o Padrão do Estúdio Ghibli

Hayao Miyazaki tem criticado a indústria de anime há muitos anos, uma de suas principais reclamações sendo a representação das mulheres. Em uma entrevista ao SoraNews24, uma parte do discurso de Miyazaki contra a indústria de anime destaca uma distinção que ele faz ao escrever seus personagens. “Se você não passa tempo observando pessoas reais, você não pode fazer isso, porque você nunca viu.” O que ele está se referindo nesta citação é a sua representação da humanidade de uma mulher e o potencial diverso que as mulheres têm.

Anime tem uma longa história de dependência de tropos repetidos com pouco ou nenhum nuance. Os animes mais recentes quebraram ou reduziram a influência dos tropos e estereótipos, mas ainda estão aquém do que o Studio Ghibli alcançou. As pressões dos papéis de gênero ainda são essenciais para a trama, enquanto as mulheres do Studio Ghibli ignoram essa pressão com facilidade ou não têm esses ideais impostos a elas. A objetificação sexual das mulheres tem se tornado menos frequente nas séries ao longo do tempo, mas está enraizada na cultura dos animes. Mesmo quando uma personagem feminina não é objetificada, sua aparência, especialmente em torno da área do peito, é de alguma forma um detalhe importante.

Para ser justo com os animes, há algumas séries que realmente valem a pena serem destacadas, mas infelizmente, nenhuma delas é tão mainstream ou popular. Princess Jellyfish (2010) é uma série sobre mulheres anti-sociais em Tóquio que aprendem com um homem de gênero fluído como serem mais confiantes e se encaixar sem perderem a si mesmas. Skip and Loafer (2023) é uma série rara de ensino médio que apresenta uma garota cuja história não é dominada pelo romance – o foco central é crescer para a vida adulta enquanto cria memórias duradouras. Por fim, Heavenly Delusion (2023) é uma série de ação sci-fi que apresenta uma jovem corajosa sobrevivendo em um mundo pós-apocalíptico com segredos sem precedentes.

Ao longo das décadas, o anime percorreu um longo caminho em termos de representação feminina. Muitos animes modernos conseguiram superar os tropos tóxicos, mas apenas alguns são dignos de elogios. Apesar dos marcos que essas poucas séries notáveis alcançaram, há muito mais animes com representações ruins do que boas. Mesmo entre as melhores séries, os detalhes louváveis não se comparam ao sucesso imediato que Hayao Miyazaki e o Studio Ghibli encontraram e mantiveram desde os anos 80. As mulheres do Ghibli são muito mais humanas, complexas, determinadas e independentes – e elas não precisam de um grito de guerra para provar isso.

Via CBR.