Felizmente, a crescente ubiquidade do streaming significa que nunca foi tão fácil para os fãs de anime explorarem diferentes estilos de animação e descobrirem a variedade desse meio. Crunchyroll é um ótimo exemplo disso, pois a popular plataforma de streaming oferece muitos shows com animações deslumbrantes.
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Suzume Conquista Corações em uma Deslumbrante História de Crescimento
Suzume Utiliza Seus Visuais Para Aumentar O Impacto Emocional Da História
Escrito por Makoto Shinkai (que também escreveu O Tempo com Você e Seu Nome), Suzume, de 2022, acompanha Suzume Iwato, uma órfã de 17 anos. Suzume é assombrada por sonhos recorrentes em que ela caminha por uma cidade em ruínas, onde encontra uma figura sombria. Um dia, ela conhece por acaso Souta Munakata, um jovem em busca de lugares abandonados com portas.
Suzume o leva a um spa próximo, onde ela vê algo que vai virar sua vida de cabeça para baixo ao se envolver em um mistério sobrenatural com consequências imensas. Suzume apresenta cores vibrantes e saturadas, além de uma animação fluida, criando cenas impressionantes que contrastam perfeitamente o normal com o fantástico. A sequência final do filme merece um reconhecimento especial, pois é uma das partes mais inspiradoras da animação já criadas, e certamente deixará os espectadores de primeira viagem sem fôlego.
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9
Robot Carnival Mostra Que Anime Pode Ser Muitas Coisas
Robot Carnival Apresenta Várias Técnicas Diferentes de Anime
Lançado em 1987, Robot Carnival é um filme de antologia supervisionado pela A.P.P.P. O filme é composto por nove curtas-metragens dirigidos por animadores que, na época, tinham pouca experiência em direção, todos com foco em robôs e nas relações da humanidade com eles. O que torna Robot Carnival interessante é que cada um dos curtas possui um estilo visual único. Por exemplo, Franken’s Gears de Koji Morimoto é sujo e horrífico, Presence de Yasuomi Umetsu apresenta um uso inteligente de cores e sombras, e Strange Tales of Meiji Machine Culture: Westerner’s Invasion de Hiroyuki Kitakubo emula aspectos da arte japonesa do início do século XX.
Embora algumas partes de Robot Carnival tenham envelhecido, o filme continua sendo um imperdível para os fãs de anime. O filme demonstra que os animadores podem usar a animação e estilos visuais para criar uma atmosfera e transmitir emoções complexas ao público. Isso é melhor exemplificado em Presence, onde, por meio de sutis toques de animação e escolhas criativas de luz e cor, o curta cria um clima desconfortável que estabelece um contraste marcante entre o humano e os autômatos, levantando questões interessantes sobre a consciência à medida que avança.
8
Bocchi The Rock! Captura a Confusão da Personagem Principal
O Estado Mental Confuso de Bocchi Leva a Visuais Impressionantes
Baseado na série de mangá de Aki Hamazi e animado pela CloverWorks, Bocchi The Rock! de 2022 acompanha Hitori Gotō. Hitori sonha em entrar em uma banda e tocar música. No entanto, sua ansiedade social torna extremamente difícil se conectar com outras pessoas, fazendo com que Hitori passe muito tempo sozinha. No entanto, a vida de Hitori muda completamente quando ela conhece Nijika Ijichi, uma baterista extrovertida que convence a garota de cabelo rosa a assumir o lugar de guitarrista em sua banda.
O que torna Bocchi The Rock! tão memorável é seu estilo visual único. A CloverWorks utiliza perspectiva, ângulos de câmera incomuns e iluminação para colocar o espectador nos sapatos de Hitori, permitindo que vejam como sua ansiedade distorce sua percepção do mundo. Além disso, o show frequentemente muda os estilos de animação, chegando até a saltar para outros meios em vários episódios. Essas mudanças ajudam ainda mais o público a entender a complexa vida interna de Bocchi e como sua visão de mundo é distorcida por sua ansiedade. Graças a esses visuais inteligentes, Hitori é um dos personagens de anime mais identificáveis da era moderna.
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7
Sound! Euphonium usa animação de uma forma naturalista
Sound! Euphonium utiliza diversos pequenos detalhes para dar vida à trama
Quando os fãs de anime falam sobre a melhor animação, eles costumam mencionar séries focadas em combate. É fácil entender o porquê, já que as sequências de luta permitem que os animadores se destaquem com ataques grandiosos e técnicas sobrenaturais estranhas. No entanto, isso não significa que uma ótima animação seja encontrada apenas em séries de combate, e Sound! Euphonium é a prova disso.
Baseado nos romances de Ayano Takeda e animado pelo Kyoto Animation, a série acompanha o Clube de Banda da Escola Secundária Kitauji enquanto eles enfrentam os altos e baixos da vida adolescente e tentam ganhar uma competição de bandas contra adversidades esmagadoras. O Kyoto Animation superou as expectativas com a animação do programa, utilizando iluminação e uma cinematografia inteligente para fazer o mundo parecer vivo e para realçar a personalidade de cada personagem. Além disso, durante as sequências musicais, os animadores fazem com que os movimentos e posturas dos personagens reflitam as notas sendo tocadas, enriquecendo ainda mais a história e capturando a bela luta que vem com a criação de música.
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6
Ping Pong: A Animação Captura a Emoção dos Esportes
Ping Pong Usa Estilização Para Atrair o Público Para o Mundo do Tênis de Mesa
Esportes podem ser difíceis de animar, pois pequenos detalhes (como a posição do corpo e a empunhadura) podem ser muito importantes para a história. Por outro lado, uma animação excessivamente realista pode resultar em um anime rígido e sem vida. Ping Pong evita isso de forma brilhante ao usar estilização para envolver o público nas vidas internas dos personagens. Baseado no mangá escrito e ilustrado por Taiyō Matsumoto e animado pela Tatsunoko Production, Ping Pong The Animation acompanha Peco e Smile, dois garotos do ensino médio que são membros do clube de tênis de mesa da escola.
Apesar de sua paixão, Smile não consegue vencer Peco, não importa o quanto ele tente. O treinador Jō, ao ver as habilidades de Smile, decide treiná-lo e ajudá-lo a superar os bloqueios que o estão segurando. Ping Pong tem um estilo visual único que parece um mangá altamente estilizado ganhando vida. Ele usa essa estilização para capturar como o esporte é sentido pelos personagens enquanto jogam, permitindo que o público mergulhe profundamente em suas mentes e sinta palpavelmente a ação enquanto acontece, levando a uma história profundamente emocionante.
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5
Frieren: Além do Fim da Jornada Aumenta Sua Atmosfera
As Cores Lindas de Frieren e a Natureza Impressionante Capturam a Melancolia do Show
Baseado no mangá escrito por Kanehito Yamada e ilustrado por Tsukasa Abe, Frieren: Beyond Journey’s End chegou às telas em 2023. Animado pelo querido Madhouse, Frieren acompanha a titular maga Elfa. Anos atrás, ela e seu grupo derrotaram o Rei Demônio e restauraram a harmonia no mundo. Após esse sucesso, Frieren deixa o grupo e viaja pelo mundo para aprender mais sobre magia.
No entanto, quando ela retorna para ver seus amigos, descobre que todos envelheceram bastante. Pior ainda, um de seus amigos morre de repente após seu retorno, fazendo Frieren perceber o quanto ela perdeu. Frieren, tomada pelo arrependimento, promete cuidar da órfã Fern e partir para o norte para prestar suas últimas homenagens à alma de seu amigo caído. A animação dos personagens confere a cada um muita personalidade, permitindo que o público sinta as emoções confusas e entrelaçadas dos personagens. Isso é realçado pelos belos cenários do show e pelas tomadas de natureza habilmente realizadas, que ajudam a intensificar o tom melancólico e o tema central da série, resultando em uma experiência completamente envolvente.
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4
A Atmosfera Sangrenta de Chainsaw Man o Torna uma Obra-Prima
Embora Chainsaw Man Seja Conhecido Por Seu Sangue, Ele Não Deixa a Desejar em Outras Áreas
Animado pela MAPPA e estreando em 2022, Chainsaw Man é baseado no mangá escrito e ilustrado por Tatsuki Fujimoto. A série se passa em um 1997 alternativo, onde os Demônios, criaturas nascidas dos medos humanos, estão à solta. A história acompanha Denji, um jovem que luta desesperadamente para quitar a dívida de seu pai falecido, caçando e matando demônios com seu pet Pochita (que na verdade é o Demônio da Motosserra). No entanto, quando uma gangue trai e assassina Denji, Pochita se oferece para fazer um acordo com ele.
Denji aceita esse acordo e retorna à vida com a habilidade de se transformar em um híbrido humano-Diabo. Embora esse novo poder torne o abate de Diabos mais fácil, Denji logo descobre que muitas pessoas querem usar seu poder para seus próprios fins ou matá-lo para mantê-lo fora do caminho. Enquanto Chainsaw Man é famoso por suas sequências de luta sangrentas, este não é o único lugar onde a animação brilha, já que a série está repleta de cenas memoráveis e bem iluminadas que fazem um ótimo trabalho ao estabelecer a atmosfera e transmitir a personalidade de cada personagem.
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3
Demon Slayer apresenta combates de tirar o fôlego e sequências de ação incrivelmente tensas
Demon Slayer possui uma animação impressionante e de qualidade cinematográfica
Baseado no mangá escrito e ilustrado por Koyoharu Gotouge e animado pela Ufotable, Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba é um dos animes shōnen mais impressionantes já criados. Quando Tanjiro Kamado retorna para casa depois de viajar para vender carvão, ele descobre que a maior parte de sua família foi massacrada por demônios. Apenas Nezuko, sua irmã, sobreviveu ao ataque, embora tenha sido transformada em um demônio. Enquanto decide o que fazer, ele encontra Giyu Tomioka, o Hashira da Água do Corpo de Caçadores de Demônios, que diz a Tanjiro para se juntar ao corpo e vingar sua família abatida.
Demon Slayer se destaca por sua animação altamente consistente e de nível cinematográfico. Esta animação brilha durante as sequências de batalha, pois estão repletas de uma excelente e fluida coreografia. Combine isso com as explosões belamente renderizadas do show, rajadas de energia e ataques sobrenaturais, e você terá algumas das batalhas mais impressionantes da história do anime.
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2
Puella Magi Madoka Magica Utiliza Animação Surreal Para Capturar o Horror das Bruxas
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As Bruxas da Madoka São Potencializadas Por Seus Estranhos Labirintos
Puella Magi Madoka Magica foi escrito pelo lendário Gen Urobuchi, o criador de Psycho-Pass e Bubble, e animado pelo estúdio Shaft. Esta série de 2011 acompanha Madoka Kaname, uma garota do ensino médio que leva uma vida normal até encontrar um estranho ser semelhante a um gato chamado Kyubey. Kyubey explica que realizará qualquer desejo de Madoka, desde que ela aceite se tornar uma garota mágica e lutar na guerra contra seres estranhos chamados bruxas.
No entanto, ela logo descobre que a vida como uma garota mágica não é tão simples quanto parece à primeira vista, e em breve é lançada em um teste de dor e sofrimento. Embora toda a animação seja boa, as sequências mais memoráveis são aquelas que acontecem nos labirintos. Essas cenas utilizam elementos de design únicos, estilizados e surreais, inspirados em colagens para capturar e transmitir o quão além da compreensão humana estão as bruxas, conferindo a elas uma aura absolutamente aterrorizante.
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1
Mononoke Tem Uma Estética Única Que Resistiu ao Passar do Tempo
Mononoke Usa Seu Visual Único Para Criar Monstros Memoráveis
Mononoke foi animado pela Toei Animation e estreou em 2007. A série acompanha o Vendedor de Remédios, um homem que viaja de cidade em cidade caçando monstros chamados Mononoke. Esses monstros, inspirados em Ayakashi, se alimentam das emoções negativas humanas, frequentemente causando caos enquanto fazem isso.
No entanto, apenas descobrir o Mononoke não é suficiente, pois antes que o Vendedor de Remédios possa banir a criatura, ele precisa aprender sua forma, verdade e razão. O elemento mais memorável de Mononoke é seu estilo visual único, que se inspira na arte tradicional japonesa. Esse estilo e a animação fluida do show conferem aos diversos Mononoke uma atmosfera horrivelmente sobrenatural, mas profundamente onírica, tornando-os alguns dos monstros mais disturbadores da história do anime.
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