10 Filmes Mais Mal Compreendidos de Todos os Tempos

Filmes

É preciso ter cuidado ao falar sobre o significado de certas histórias, especialmente quando os filmes em si são ambíguos. No entanto, as pessoas que argumentam que Star Wars não deve ser político estão gravemente entendendo mal os elementos fundamentais da razão pela qual essas histórias existem. Alguns filmes são considerados rasos e carentes de significado, quando na realidade é que críticos ou audiências perdem a intenção da obra. Conceitos errados como esses relegam alguns filmes verdadeiramente ótimos para o monte de lixo da cultura pop só porque foram mal compreendidos na época de seu lançamento. As audiências assistirão a filmes clássicos por gerações, perdendo a profundidade e sutileza da história se ao menos estivessem dispostas a procurá-la.

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Calúnia de Raiders of the Lost Ark e Indiana Jones

As pessoas acham que Indiana Jones não afetou o enredo, mas isso está incorreto

Indiana Jones é um personagem icônico do cinema, e Os Caçadores da Arca Perdida continua sendo a melhor história em seu cânone cinematográfico mais de quatro décadas depois.

Quando um filme está tão perfeitamente enraizado na cultura pop como Indiana Jones e os Caçadores da Arca Perdida, certamente vai gerar discussão. Uma teoria equivocada de The Big Bang Theory sugeriu que Indiana Jones não teve nenhum efeito na trama do filme. Como os nazistas acabam conseguindo a Arca da Aliança, abrem e morrem por causa do que sai de dentro, o público entende erroneamente o que no filme faz de Indy um herói. O filme subverte o tipo de história que inspirou a criação de Indiana Jones, o aventureiro audacioso que sempre se sai bem. Indy está constantemente em apuros, falha frequentemente, mas continua avançando com pura determinação e garra.

O motivo pelo qual essa teoria está incorreta é porque Indiana Jones afeta o enredo desde a primeira parada em sua busca. Ele salva Marion Ravenwood de Toht e seus capangas, que é também o ponto principal do filme. A diferença de idade problemática entre Indy e Marion à parte, ele é o herói do filme porque rapidamente deixa de se importar com a Arca e passa a proteger a mulher que ama. Na verdade, mesmo que ele acabe por ficar com a Arca, o final destaca o quão sem sentido foi descobrir esse importante item histórico (e religioso). Em vez de ser pesquisada por “homens de topo”, a Arca é selada e escondida do mundo.

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A Felicidade Não se Compara a Vida Maravilhosa Que as Audiências Pensam

Este Filme de Fantasia de Natal foi um Filme Anti-Capitalista Disfarçado

O filme de Natal de 1946 de Frank Capra foi um fracasso de bilheteria ao ser lançado, mas A Felicidade Não Se Compra é o filme pelo qual ele é mais lembrado. É amado em grande parte por ser um clássico natalino e por ser visto como um dos primeiros filmes do gênero de ficção científica/fantasia. No entanto, de acordo com o FBI nos anos 40, o filme foi considerado “maligno” por causa de como retratava o personagem de Lionel Barrymore, Henry Potter, em comparação com o de Jimmy Stewart, George Bailey. Enquanto Washington D.C. estava envolvida na destrutiva e tola “Caça às Bruxas”, A Felicidade Não Se Compra foi considerado perigoso por sua moral centrada na ideia de que as pessoas devem ajudar umas às outras.

Scholar John A. Noakes escreveu extensivamente sobre o interesse do FBI no filme, no entanto, com o tempo, eles não precisavam se preocupar. O clássico reconfortante realmente trata de como Potter e Bailey representam duas filosofias diferentes de bancos. Chamar o filme de “comunista” é absurdo, mas ele pinta um quadro severo do capitalismo pós-Segunda Guerra Mundial que impulsionava a América na época. Mesmo que o público saia do filme percebendo sua moral de que as pessoas são mais importantes do que o lucro, muitas vezes eles perdem a crítica às instituições financeiras que permanece tão relevante hoje quanto há oito décadas atrás.

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Star Wars: A Ascensão Skywalker é uma sequência bagunçada, mas complementar

Fãs Acham Que Isso ‘Retconou’ Os Últimos Jedi, Mas Estão Profundamente Mal-Entendidos

Alguns fãs de Star Wars lamentaram a decisão de trazer o Imperador Palpatine de volta em A Ascensão Skywalker, mas a trilogia sequencial precisava do vilão arquetípico.

Da herança de Rey como Palpatine à piada irônica de Luke Skywalker sobre tratar “a arma de um Jedi” com “respeito”, Star Wars: A Ascensão Skywalker é um filme profundamente incompreendido. Isso é algo que tem em comum com seu igualmente incompreendido antecessor, Star Wars: Os Últimos Jedi por causa de sua abordagem ao legado de Star Wars. Em vez de minar o filme de Rian Johnson, A Ascensão Skywalker tenta construir sobre a base adicionando à história e não retirando ou reescrevendo. Por exemplo, a chuva de Ach-To acaba nos luvas de Kylo Ren em Os Últimos Jedi, prenunciando a capacidade de tornar essa conexão com a Força totalmente física.

No centro do mal-entendido em torno de tanto The Last Jedi quanto The Rise of Skywalker está a confiabilidade de Kylo Ren. De dizer que as pessoas deveriam “matar” o passado até os pais de Rey vendendo-a por “dinheiro para beber”, os fãs parecem achar que o lado sombrio conflituoso estava falando com a voz dos roteiristas. A entrada final na Saga Skywalker está cheia de coisas. Provavelmente deveria ter sido (pelo menos) dois filmes em vez de um. Ainda assim, o filme constrói sobre as ideias apresentadas em The Last Jedi enquanto incorpora temas maiores dos filmes de Star Wars de George Lucas. Na verdade, se o público conferir os créditos, verá que Lucas foi consultor de história nessa entrada final.

Na emocionante conclusão da icônica saga Skywalker, novas lendas nascerão – e a batalha final pela liberdade ainda está por vir.

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O Lobo de Wall Street Acidentalmente Elevou o Significado de Derrubar

Jordan Belfort não Deveria Ser Tão Engraçado e Descolado Como Parece

Como outros filmes do celebrado diretor Martin Scorsese, O Lobo de Wall Street pode ser visto como glorificando as próprias pessoas que deveria condenar. O filme mostra em detalhes vívidos como a ganância corrompe e como conseguir tudo o que se quer significa perder tudo o que tem valor real. No entanto, Scorsese talvez tenha subestimado o quão facilmente o público americano poderia perder esse ponto. Porque, ao contrário de Travis Bickle, Henry Hill ou seus outros personagens criminosos violentos, as pessoas acham que o estilo de vida e o destino final de Jordan Belfort parecem bem legais, considerando tudo.

Parte do problema vem do elenco, especificamente de como eles interpretaram bem seus papéis. O Lobo de Wall Street preenche seu mundo com personagens coloridos e estranhos que são divertidos de assistir. Da mesma forma, os momentos destinados a destacar o quão cruéis ou patéticos eles podem ser são minados por como os atores humanizam bem seus personagens. O filme dedica pouco ou nenhum tempo às pessoas afetadas por Belfort e sua turma. O público em geral entende como a máfia prejudica as pessoas, mas os crimes financeiros e suas consequências são menos imediatamente aparentes. Assim como Glengarry Glen Ross ou Boiler Room, os gananciosos e corruptos veem O Lobo de Wall Street como uma validação e celebração das coisas terríveis que fazem.

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Star Trek V: A Fronteira Final Tem Algo Importante a Dizer Sobre Deus

Escondido no ‘Pior’ Filme, Há uma Forte Declaração sobre Fé e Hipocrisia

Em Jornada nas Estrelas V: A Última Fronteira, Capitão Kirk e a tripulação da USS Enterprise embarcam em uma missão para encontrar Deus, mas eles realmente conseguem cumprir sua tarefa?

Star Trek V: A Última Fronteira é um filme melhor do que recebe crédito dos fãs de Star Trek. Atormentado por efeitos visuais ruins, o filme tenta contar uma história muito conceitual sobre Deus, fé e hipocrisia. Em muitas retrospectivas de Star Trek e em seu próprio “diário” publicado durante as filmagens, William Shatner queria que Star Trek V destacasse a importância da amizade entre Kirk, Spock e McCoy em uma história que criticava os populares pregadores de TV dos anos 80. O meio-irmão recém-descoberto de Spock, Sybok, na verdade é tratado de forma muito mais gentil do que sua inspiração, pois ele realmente acreditava que estava em uma missão de Deus.

Apesar da batalha final do terceiro ato bagunçada que se segue, a cena em que a tripulação conhece o Deus de Sha Ke Ree é onde a mensagem do filme se torna clara. Esse ‘Deus’ na verdade é um vilão que se importa pouco com seu rebanho e só deseja veneração, louvor e o que não lhe pertence. Esse falso deus abusa da fé que as pessoas depositam nele para benefício próprio. Gene Roddenberry (um ateu declarado) queria que sua tripulação de Star Trek encontrasse Deus, apenas para mostrar ao público que a humanidade não precisava dele. Isso não é o que The Final Frontier trata. Ao invés disso, o filme diz que aqueles que afirmam falar em nome de Deus muitas vezes são charlatões ou, no caso de Sybok, suas vítimas.

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Mulholland Drive é Enigmático, e Esse é o Propósito

Filme “Pico” de David Lynch como um Filme dos Sonhos está Aberto à Interpretação

David Lynch frequentemente fala sobre como seus filmes (e episódios de televisão de Twin Peaks) são construídos em torno da ideia de narrativa visual como um sonho desperto. O filme Mulholland Drive é talvez o exemplo mais literal dessa filosofia, já que grande parte dele se passa em um mundo percebido como um sonho. A última parte do filme é vista como a versão “verdadeira” da realidade, embora suas imagens finais sejam profundamente surreais. Por fim, Mulholland Drive também é vista como uma acusação a Hollywood e ao sistema de estúdios, que corrompe o artístico em prol do lucro e do poder. No entanto, não é tão simples assim.

Elementos comuns no trabalho de Lynch estão presentes em Cidade dos Sonhos, desde a história de “detetive” até a realização do “Sonho Americano”, desta vez representado pela fama e sucesso financeiro. O final do filme mostra a convergência do mundo onírico e da realidade, o que talvez seja o mais próximo do que Lynch está tentando “dizer” com o filme. Como os próprios sonhos, o filme está aberto à interpretação, mas também a desafia ativamente. A incerteza em torno do que é real, o que não é e o que tudo significa não é apenas intencional, pode ser o ponto de todo o exercício artístico.

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Morte em Veneza foi manchada por outro filme sobre um relacionamento problemático

O Filme Controverso Não É Sobre Luxúria, Mas Sobre Morte e Juventude

O filme de 1971 de Luchino Visconti (baseado em um livro de mesmo nome de Thomas Mann) é considerado um clássico do “cânone queer” no cinema. Embora isso seja indiscutivelmente verdade, muitas audiências confundem Morte em Veneza como a “Lolita gay”. Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) é um compositor que está morrendo. Tadzio (Björn Andrésen) é um adolescente atraente que Gustav nota e, eventualmente, fica obcecado. Embora o filme esteja cheio de subtexto queer, Tadzio não é precisamente um objeto de desejo para Gustav. Isso fica claro no flashback da conversa entre Gustav e Alfred (Mark Burns) sobre a natureza da beleza e se a beleza “natural” é superior à arte.

A primeira vez que Tadzio percebe Gustav, em um elevador, ele lhe lança um olhar sedutor. Logo após isso, Gustav relembra uma discussão com Alfred sobre “moralidade” e “mediocridade” na arte mainstream. Gustav é cativado pela beleza de Tadzio, mas também por sua juventude e vitalidade. O final do filme, no qual Gustav morre enquanto Tadzio brinca e entra na água na praia, contrasta o fim de uma vida com os “melhores anos” de outra. Morte em Veneza é menos sobre como Gustav deseja um relacionamento com esse garoto, e mais sobre como ele deseja viver o tipo de vida despreocupada e bonita que Tadzio vive.

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Clube da Luta é Abraçado pelas Próprias Pessoas que Satiriza

O Filme Satiriza a Masculinidade Tóxica e a Anarquia Sem Sentido

O diretor de O Clube da Luta, David Fincher, admite que já se passaram 20 anos desde que ele viu o filme; ele também não tem interesse em assistir novamente o clássico cult.

Clube da Luta foi pioneiro em sua época, tanto o filme quanto o romance de Chuck Palahniuk, em capturar o desespero e o mal-estar do capitalismo tardio. O filme apresenta bem sua mensagem anti-consumista. No entanto, os personagens bifurcados de Tyler Durden, interpretado por Brad Pitt, e do protagonista sem nome interpretado por Edward Norton respondem ao julgamento da América do final do século XX de todas as maneiras erradas. Alguns espectadores saem deste filme querendo começar seus próprios clubes da luta e simplesmente pegar o que querem como os homens durões do filme Clube da Luta. No entanto, o filme em si destaca muito claramente que esses homens são dignos de pena, no máximo.

O filme em si é sobre conexões humanas e o dever das pessoas de cuidar umas das outras. Clube da Luta é anti-consumista, com Norton como o cara com “tudo” e Durden como o cara com “nada”. No entanto, nenhum deles tem a resposta certa. A ideia de que alguém só é “livre para fazer qualquer coisa” depois de ter “perdido tudo” ainda é sobre indulgência pessoal e direitos. Ao invés de celebrar um retorno aos papéis de gênero tradicionais, a análise da masculinidade tóxica em Clube da Luta mostra como isso atrapalha a formação das conexões que as pessoas precisam. Violência por si só, seja no clube ou através do Projeto Mayhem, é sem sentido.

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Starship Troopers é um Filme Dentro de um Filme

Público Perdeu o Ponto Dessa Paródia de Propaganda de Guerra

Muitos filmes de guerra destinados a mostrar o horror do conflito armado acabam falhando, pois o público vê como uma glorificação. Starship Troopers foi criticado no lançamento pelos críticos, que pareciam levar o filme ao pé da letra. O público e os críticos na época não conseguiam enxergar além dos então impressionantes efeitos visuais, com muitos sendo seduzidos pelo entusiasmo exagerado dos soldados humanos em matar os supostamente violentos e sem mente insetos. No entanto, o que muitos na época viram como falhas no filme foram incluídas para reforçar a sátira dos filmes de guerra propagandísticos destinados a inocular simpatia pelo inimigo e encorajar as pessoas a se alistar para matá-los.

Seja por causa das performances intencionalmente camp e da violência intensa, décadas depois o público ainda não entende que Tropas Estelares é um aviso para uma cultura obcecada por guerra. Logo no início do filme, por exemplo, Michael Ironside, interpretando o Sr. Razchak, fala sobre o “fracasso da democracia” e como o controle militar e a violência são o que mantêm a ordem e a estabilidade. Personagens falam diretamente para a câmera, muitos deles sendo imediatamente e violentamente assassinados pelos insetos. No final do filme, ao perceber que o inimigo não é apenas “inteligente”, mas também “amedrontado”, as massas reunidas aplaudem.

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O Corpo de Jennifer é uma Vítima de Marketing Ruim

Aqueles que menosprezaram como uma comédia de terror obscena provaram o ponto do filme

Vender o filme para o público, o marketing cria as expectativas que os espectadores têm para o filme. O Corpo de Jennifer não foi favorecido pelo seu marketing, que apresentou o filme como um filme de terror sexy para os adolescentes e jovens adultos que queriam ver mais de Megan Fox. Fotos tiradas durante as filmagens da famosa “cena do lago” também circularam online e foram muito mais reveladoras do que a própria cena. Além disso, a roteirista Diablo Cody enfrentou críticas negativas na época, e muitos críticos se recusaram a buscar um significado mais profundo no filme. Por exemplo, o grande Roger Ebert escreveu em sua crítica que O Corpo de Jennifer era “Crepúsculo para garotos”, sendo uma análise duvidosa no melhor dos casos.

No entanto, nos últimos cinco anos, o público e os críticos perceberam que o discurso contemporâneo tinha uma compreensão profunda equivocada do filme. Jennifer é uma personagem trágica que não tem autonomia sobre seu próprio corpo. O papel da virgindade no filme, múltiplas alegorias de agressão sexual e, de forma mais sutil, o subtexto queer entre Jennifer e a personagem de Amanda Seyfried, chamada “Needy”, é o motivo pelo qual se tornou um clássico na era do streaming. Em vez de um filme que celebra, ou até mesmo satiriza, a forma como o sexo é usado em filmes de terror, é uma crítica a isso. A violência contra Jennifer é acompanhada de risos e cantos. Os assassinatos de Jennifer tendem para o lado do camp no horror, o que é feito para tornar a parte da fantasia de vingança mais palatável. Independentemente de alguém achar que Garota Infernal é eficaz ou não, está claro que foi profundamente incompreendido em seu lançamento.

Via CBR. Veja os últimos artigos sobre Filmes.

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