A capacidade deles de prender a atenção do público e ainda ressoar com os temas universais e os desafios que toda a humanidade enfrenta os torna obras de criatividade absolutamente deslumbrantes. Desde as áreas cinzentas apresentadas em Princesa Mononoke até a inocência infantil capturada e celebrada em Meu Amigo Totoro, esses filmes do Studio Ghibli hipnotizam com sua execução impecável desde o início até o último crédito.
10
Meu Amigo Totoro Conta uma História Simples e Pura Sobre Aventuras da Infância
O Filme Transmite Lindamente uma Experiência Humana Relacionável com a Qual Todas as Crianças Podem se Conectar
Meu Amigo Totoro acompanha as jovens irmãs Satsuki e Mei após se mudarem para uma casa antiga no campo para ficarem mais próximas do hospital onde sua mãe doente está internada, enquanto se recupera de uma doença prolongada. À medida que as meninas começam a explorar seu novo lar, elas encontram Totoro, um espírito da floresta próxima que começa a levar as garotas em aventuras mágicas ao redor de sua casa, desnudando as camadas do cotidiano para revelar o mágico e o místico que estão por trás — tornando-se um dos melhores filmes do Studio Ghibli para crianças.
No seu cerne, este filme triunfante foca em temas da infância, como exploração, aventura, imaginação e transições familiares, enquanto Satsuki e Mei lidam com a incerteza da doença da mãe. A trama simples ancla a história em uma experiência humana relacionável, permitindo que as nuances de cada personagem tenham espaço para crescer e tocar os corações do público. Até mesmo os visuais contribuem para isso, proporcionando cenários e personagens exuberantes e vibrantes que se misturam de forma harmoniosa entre o natural e o fantástico. No final, Meu Amigo Totoro encanta do começo ao fim, oferecendo uma história pura cheia de significado profundo, visuais belíssimos e um nível de conforto que se sente profundamente humano.
9
O Castelo Animado Acompanha Sophie em Sua Jornada de Autodescoberta
O Cenário Ajuda a Protagonista a Aprender Mais Sobre Si Mesma
Após ser amaldiçoada e se transformar em uma velha, a jovem chapeleira Sophie deixa o conforto de sua vida provinciana em busca de um mágico capaz de quebrar o feitiço, acabando por esbarrar no titular Castelo Animado. Lá, ela conhece o enigmático mago Howl, o demônio de fogo Calcifer e o restante de sua família escolhida, criando um laço profundo com cada um desses personagens em um cenário que lhe permite abraçar sua identidade em constante mudança e amadurecimento. Encontrando sua coragem, Sophie ajuda Howl a resistir às maquinações da Senhora Solomon e a sobreviver em meio a uma guerra que ameaça despedaçar seu mundo.
Conforme Sophie começa a aprender mais sobre si mesma, ela desvenda sua maldição por conta própria, percebendo que suas próprias limitações e autopercepções alimentavam a maldição e, portanto, a restringiam. Ao crescer e forjar uma nova identidade, Sophie aprende mais sobre o amor em suas diversas formas, como o amor-próprio que sente por si mesma, o amor romântico que nutre por Howl e o amor familiar que cria com sua nova família. Os temas ajudam a destacar o filme, mas a impressionante exibição visual auxilia as mensagens da história, oferecendo um fundo vívido, inspirado no steampunk, para as aventuras de Sophie, que abraça um senso de maravilha e imaginação — ferramentas que Sophie utiliza em sua própria autodescoberta.
8
O Mundo Secreto de Arrietty Abraça a Impermanência
Arrietty e Sho se Conectam por um Breve Período Antes de Seguir Seus Caminhos Separados
Baseado na série de livros de Mary Norton, O Mundo Secreto de Arrietty acompanha a animada Arrietty, de 14 anos, uma pequena humana (ou Pegadora) que vive com sua família minúscula sob as tábuas do chão de uma casa humana. Depois de sair para explorar a casa, ela encontra Sho, um garoto humano bondoso e doente que está se recuperando na casa de campo antes de passar por uma perigosa cirurgia no coração. Juntos, os dois inspiram coragem um no outro, ajudando-se a enfrentar os desafios que surgem diante deles em um dos melhores filmes do Studio Ghibli que os espectadores podem assistir quando precisam de um bom choro.
O Mundo Secreto de Arrietty encontra um delicado equilíbrio entre sua arte visual, criatividade magistral e profundidade emocional, tornando-se uma experiência cinematográfica inesquecível do início ao fim. A amizade entre Arrietty e Sho está no centro do filme, mas sua brevidade efêmera demonstra como a inspiração pode vir dos lugares mais inesperados. O filme abraça a natureza agridoce dos encontros casuais e da vida, incentivando os espectadores — através de Arrietty e Sho — a celebrar pequenos momentos significativos enquanto aceitam sua impermanência.
7
A Princesa Mononoke Explora a Área Cinzenta Entre a Vida e a Morte
O Filme Evita Binarismos Simples ao Apresentar Todos os Argumentos de Forma Equitativa
Princesa Mononoke conta a história do Príncipe Ashitaka, um guerreiro de uma pequena tribo banido de sua terra natal após um demônio javali amaldiçoar seu braço. Enviado pelos anciãos de sua aldeia para encontrar um lugar onde possa ver com olhos desobstruídos pelo ódio, Ashitaka acaba encontrando a Irontown da Lady Eboyshi, próxima a uma floresta mágica. Os humanos da Irontown e as criaturas da floresta entram em conflito constante devido à exploração da terra pelos humanos em busca de recursos, deslocando os animais e destruindo as árvores. San, a Princesa Mononoke, é uma garota humana criada pelas criaturas da floresta e lidera a luta para expulsar os humanos de seu lar.
Talvez o componente mais impressionante do filme venha do jeito que a história evita binários simples e lados para as motivações de cada grupo. À medida que Ashitaka visita ambos, ele vê seus pontos positivos e falhas, suas razões e preconceitos, o que ajuda a transmitir a situação com nuance e empatia. No filme, não existem respostas certas, já que ambos os lados do conflito — a Cidade de Ferro e a floresta — possuem razões convincentes para suas ações. Ambientada na arte visual e na música deslumbrante, essa história apresenta uma reflexão inspiradora, embora assombrada, sobre o equilíbrio entre vida e morte, beleza e destruição desde a primeira cena.
6
O Menino e o Garça Mostra o Arco do Luto e Aceitação Através da Jornada de Mahito
O Mundo da Torre Simboliza as Possibilidades da Vida de Mahito
O Menino e o Garoto, a mais recente obra-prima cinematográfica de Hayao Miyazaki, acompanha Mahito, um jovem que lida com a morte de sua mãe, enquanto se muda para o campo durante a Segunda Guerra Mundial. O pai de Mahito se casou recentemente com a irmã de sua mãe, tornando toda a mudança uma transição difícil. Ao começar a explorar os arredores de sua nova casa, ele descobre uma garça misteriosa e um reino sobrenatural em uma torre abandonada, passando por uma jornada surreal para resgatar sua madrasta desaparecida após ela sumir dentro da torre.
A dor está em evidência em O Menino e o Garça, enquanto Mahito tenta lidar com a turbulência familiar que a morte de sua mãe e o novo casamento de seu pai trazem para sua vida. Ele navega por um mundo surreal e simbólico enquanto tenta entender melhor suas próprias emoções e identidade em um universo ricamente detalhado e maravilhosamente lindo, cortesía da animação intrincada e deslumbrante do filme. O mundo — e suas infinitas possibilidades — serve como um espelho para o próprio potencial de Mahito, culminando em uma mensagem tocante sobre a realidade e as imperfeições, tornando toda a experiência profundamente comovente do começo ao fim.
5
O Serviço de Entregas de Kiki Combina Fantasia com uma Lições Poderosa para Crianças
A Transição da Infância para a Vida Adulta é um Tema Universal para Todos os Públicos
O Serviço de Entregas da Kiki acompanha Kiki, uma bruxa em treinamento, enquanto ela parte sozinha, passando por um rito de passagem para todas as bruxas, aperfeiçoando suas habilidades longe dos pais por um ano, com apenas Jiji — possivelmente um dos melhores personagens coadjuvantes do Studio Ghibli — para apoio. Kiki se instala em Koriko, uma linda vila à beira-mar, e com a ajuda dos padeiros locais, abre um serviço de entregas. Montando em sua vassoura, Kiki entrega pacotes por toda a cidade, mas logo começa a lidar com conceitos de maturidade, autoaceitação, imaginação e a confusão de transformar um hobby amado em uma carreira.
A emocionante história de Kiki em sua busca por encontrar seu lugar em um mundo em constante mudança ressoa fortemente com quase todos que a assistem, confrontando de maneira bela temas de independência e insegurança. Literalmente aterrada após Kiki perder a magia — tanto metafórica quanto literalmente — que a permite voar, Kiki deve redescobrir suas paixões. Um tema tão pesado ganha um toque lúdico graças à animação mais suave, cenários pitorescos e componentes musicais deslumbrantes, tornando o filme uma obra-prima atemporal e universalmente ressonante do começo ao fim.
4
A Arte em Aquarela de O Conto da Princesa Kaguya é uma Maravilha a Ser Apreciada
Este Estilo de Arte Ajuda a Expressar Melhor o Lado Mais Suave do Ser Celestial Titular
Após encontrar uma bebê dentro de um talo de bambu, um cortador de bambu e sua esposa criam a jovem garota, tornando-a uma bela mulher, a quem dão o nome de Kaguya. Determinado a usá-la para elevar seu status, o cortador de bambu tenta moldá-la em uma nobre, mudando-se para a capital e forçando a menina a deixar sua feliz infância e amigos para trás. Desiludida com sua vida, Kaguya implora à lua que a salve, relembrando suas memórias de ser um ser celestial que costumava se perguntar sobre a vida na Terra. Sentindo pena de sua situação, a Lua envia emissários para buscar Kaguya, que está angustiada por ser forçada a deixar a Terra para trás.
A História da Princesa Kaguya aborda muitos temas, como feminismo, a restrição das mulheres, ganância e materialismo. Cada elemento tem sua chance de brilhar ao longo da narrativa, com o filme enfrentando tópicos tão densos em um curto espaço de tempo — e através de uma narrativa envolvente. Ele também utiliza um estilo de arte hipnotizante, diferente de outros filmes do Studio Ghibli, que adota uma estética mais suave, parecida com aquarela. Do começo ao fim, A História da Princesa Kaguya se destaca como uma obra-prima, confiante em sua identidade e mensagem.
3
A Autodescoberta de Taeko em Apenas Ontem Serve como um Catalisador para as Próprias Reflexões do Público
O Filme Foca na Magia do Cotidiano
Lançado em 1991 — e tendo conquistado seu lugar como o filme do Studio Ghibli mais bem avaliado no Rotten Tomatoes desde então — Apenas Ontem acompanha Taeko Okajima, uma mulher solteira e workaholic, enquanto ela visita os sogros de sua irmã mais velha para se preparar para a colheita de açafrão. Sempre gostando de visitar o campo rural, ela aguarda ansiosamente a viagem e, ao chegar, a utiliza como um meio de relembrar memórias da sua infância. Ela transmite as lições que aprendeu para a próxima geração de sua família, enquanto ouve os conselhos sábios dados por seus mais velhos, eventualmente chegando à escolha de permanecer no campo, reconhecendo o quanto isso a faz feliz.
Todos os filmes de Hayao Miyazaki trazem um alto nível de arte e estilo, e Apenas Ontem não é exceção, mesmo ao abandonar o fantástico de forma evidente para encontrar magia no cotidiano. Através da jornada de Taeko, o público também reflete sobre como experiências formativas moldam a identidade adulta — ou até mesmo identidades familiares, com sabedoria e lições transmitidas ao longo das gerações. Tematicamente, o filme possui camadas ricas e complexas, explorando expectativas sociais, realização pessoal e autodescoberta, tecendo uma bela tapeçaria do primeiro fio ao último.
Uma funcionária de escritório de vinte e sete anos viaja para o interior enquanto relembra sua infância em Tóquio.
2
A Sepultura das Luzes de Vaga-lumes Convoca Conexão em seu Público
Em Pequena Escala e em Grande Escala
O Túmulo dos Vagalumes acompanha os irmãos Seita e Setsuko durante a Segunda Guerra Mundial, que se veem sozinhos após um bombardeio americano destruir grande parte de sua cidade natal. A dupla vai morar com a tia, mas rapidamente a deixa, optando por se virar sozinha, recorrendo a furtos e invasões em casas para sobreviver. Quando Setsuko adoece devido à desnutrição, Seita tenta desesperadamente juntar comida suficiente para salvá-la, mas acaba falhando. Seita morre de fome logo depois, com os espíritos dos dois se reunindo entre uma nuvem de vagalumes.
Este filme devastador e emocional retrata de forma realista e angustiante a guerra, afetando até mesmo as vidas mais inocentes, soando um alerta de que a guerra transborda para todos os aspectos da sociedade, não apenas para os soldados. O estilo de arte assombroso, os personagens pelos quais o público não consegue deixar de torcer e a mensagem tocante se combinam para criar um filme inesquecível que ainda faz o público chorar décadas depois. Mas, mais do que sua representação sombria da guerra, está a mensagem da tolice de Seita em se afastar da sociedade e da família, com o filme incentivando a conexão em um nível menor, assim como em uma escala global.
1
A Viagem de Chihiro Transmite uma Mensagem para Adultos e Crianças
Todos os Espectadores Podem se Identificar com os Temas do Filme
Em A Viagem de Chihiro, a jovem Chihiro viaja para sua nova casa com seus pais, enquanto lamenta a vida que foi obrigada a deixar para trás. Quando a família se perde a caminho da nova casa, o trio se depara com o Mundo Espiritual, onde os pais se transformam em porcos e Chihiro é forçada a trabalhar como funcionária em uma casa de banhos para ganhar a chance de libertá-los. Ao longo de sua jornada, Chihiro encontra amigos e inimigos, amadurece e se torna uma pessoa confiante e determinada, e eventualmente consegue enganar a bruxa Yubaba.
Muitos temas se entrelaçam na narrativa, como o ambientalismo, o consumismo ocidental da cultura japonesa e a distorção da identidade cultural do Japão, para citar alguns. Enquanto o público adulto e maduro capta essas mensagens, as crianças na plateia encontram consolo na habilidade de Chihiro de navegar por um mundo aparentemente aterrorizante, mesmo quando está mortalmente assustada. O fato de que todas as faixas etárias possam extrair algo do filme, combinado com a arte e estética estranhamente belas e impressionantes, além da trilha sonora marcante, tornam o filme uma obra-prima do começo ao fim.
