Ebert acreditava que um filme de terror deveria “exorcizar” algo para o espectador — ajudar o público a processar sentimentos sombrios e traumáticos. Começando com a revolução do Expressionismo Alemão e alcançando os excessos sangrentos das décadas de 1970 e 1980, esta lista abrangente de filmes mostra o gênero em seu melhor. O comentário perspicaz do crítico sobre cada filme mostrará aos fãs por que o cinema de terror nunca irá morrer.
O Expressionismo Alemão Ajudou a Legitimar o Gênero de Terror
O Gabinete do Dr. Caligari (1920), dir. Robert Wiene
Roger Ebert concordou com a afirmação comum de que O Gabinete do Dr. Caligari foi o primeiro verdadeiro filme de terror. Este revolucionário filme de horror trata de um hipnotista nefasto (Werner Krauss) cujo gabinete titular contém um sonâmbulo (Conrad Veidt) que executa suas instruções assassinas. O filme de Robert Wiene é o texto ur do cinema expressionista alemão, caracterizado por um estilo visual que externaliza os fundamentos psicológicos distorcidos do filme.
Em uma crítica de 2009 intitulada “Um Mundo Inclinado em Ângulos Afiados,” Roger Ebert afirmou que O Gabinete do Dr. Caligari ajudou a estabelecer o horror como um gênero imune aos estragos do tempo.
Os filmes de horror expressionista criaram o gênero mais durável e à prova de balas. Nenhum outro gênero tem apelo nas bilheteiras por si só… Tudo que um filme de horror precisa prometer é horror — o indescritível, o aterrorizante, o implacável, a figura monstruosa de destruição. Não precisa de estrelas, apenas valores de produção básicos e a capacidade de prometer horror.
Seu comentário final é um tanto irônico, pois Conrad Veidt se tornou, e continua sendo, uma das estrelas mais icônicas do horror. Ele aparece mais de uma vez apenas nesta lista.
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Este Filme Silencioso Ainda É o Melhor Filme de Vampiro
Nosferatu (1922), dir. FW Murnau
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Nosferatu começou como uma adaptação não autorizada de Drácula, mas se tornou uma obra-prima por si só — e, segundo Roger Ebert, a melhor de sua categoria. F.W. Murnau pegou a história de Bram Stoker sobre um Conde Transilvano não-morto que invade a vida de um jovem casal ingênuo e a transformou em uma obra de arte cuja originalidade inspirou cineastas de Werner Herzog a Robert Eggers.
Roger Ebert foi tão impactado pelo clássico de 1922 que o mencionou em suas críticas de outros filmes. Ao elogiar A Noiva de Frankenstein, ele chamou Nosferatu de “o maior de todos os filmes de terror silenciosos,” e em uma crítica de Drácula de Tod Browning, ele o chamou de “o maior de todos os filmes de vampiro.” Embora reconhecesse que Nosferatu influenciou Browning, ele também o descreveu como “quase um beco sem saída” — uma obra-prima tão única que se destaca de todas as outras.
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Este Drama Gótico Obtém Seu Poder do Horror Corporal
O Homem que Ri (1928), dir. Paul Leni
A adaptação de Paul Leni do romance de Victor Hugo O Homem Que Ri abrange múltiplos gêneros, mas Roger Ebert a identificou mais fortemente com o gênero de horror. Conrad Veidt interpreta Gwynplaine, um nobre cuja grave desfiguração o exila para o circuito de carnavais. Esta épica história de romance e vingança é um exemplo precoce do gênero body horror, derivando grande parte de seu poder do abismo entre o ser interior de Gwynplaine e sua aparência externa grotesca.
Gwynplaine foi a principal inspiração para o design original do Coringa.
Na análise de Ebert de 2004 sobre O Homem que Ri, ele discutiu como a intriga real que permeia o filme é secundária às lutas de Gwynplaine com sua própria existência. Sua história de dor e trauma está inscrita em sua carne, tornando-o um pária social. Ebert observou que o filme de 1928 veio após O Fantasma da Ópera e O Corcunda de Notre Dame; claramente, a preocupação do horror com desfiguração e deficiência começou em sua infância.
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O Rei da Selva Ainda Domina o Mundo do Horror
King Kong (1933), dirs. Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
Se os monstros da Universal estabeleceram o arquétipo do anti-herói simpático, a RKO ampliou isso a proporções enormes. King Kong apresentou uma criatura que não se encaixa em lugar nenhum — literalmente — quando é retirada da selva e forçada a se apresentar na Broadway. A trágica desventura do grande macaco gerou várias refações e sequências, mas nenhuma com o mesmo impacto.
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Críticos Ficam Loucos pelo Kong |
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Em sua crítica de 2002, Roger Ebert articulou o que todos os fãs de terror sabem: Quando se trata de efeitos especiais, o mais novo nem sempre é melhor. A imagem relativamente rudimentar de King Kong cria uma “admiração assustadora” que falta nos espetáculos caros e polidos de hoje. Ebert chegou a chamar o filme de possivelmente “o filme seminal da era do som”, destacando o desenvolvimento do blockbuster de alto conceito — enquanto reconhece que também é bastante emocionante.
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O Melhor Filme de Monstro da Universal É uma Sequência
A Noiva de Frankenstein (1935), dir. James Whale
Os filmes originais de monstros da Universal formaram coletivamente um marco na história do horror, e como afirmou Roger Ebert, o melhor deles é A Noiva de Frankenstein. A sequência de James Whale para sua própria adaptação de Mary Shelley combinou efeitos visuais ainda impressionantes com o pathos e a escuridão que tornaram essas narrativas iniciais tão poderosas.
Em sua crítica de 1999, Ebert elogiou A Noiva de Frankenstein por sua brilhante subliminação de temas controversos.
(É) o melhor dos filmes sobre Frankenstein – uma obra astuta e subversiva que conseguiu driblar a censura ao disfarçar material chocante nas vestes do horror. Alguns filmes envelhecem; outros amadurecem. Visto hoje, a obra-prima de Whale é mais surpreendente do que quando foi feita, pois o público atual está mais atento às suas sutilezas de homossexualidade, necrofilia e sacrilégio.
O horror muitas vezes atuou como um cavalo de Troia para ideias e argumentos que a sociedade respeitável preferiria silenciar. Não é de se admirar que o cineasta queer James Whale tenha encontrado o gênero especialmente convidativo.
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Um Monstro Feminino Incomum Estrela em um Clássico Subestimado
Gato Preto (1942), dir. Jacques Tourneur
Gato Preto muitas vezes é deixado de fora das discussões sobre filmes de monstros, mas possui seu próprio poder emocional e sombrio. Quando uma jovem se recusa a consumar seu casamento com o novo marido, ele a obriga a ver um psiquiatra — e ambos os homens aprendem da maneira difícil que seu medo de se tornar uma mulher-gato não é uma ilusão. Gato Preto é tanto um potente psicodrama sobre a alienação feminina quanto um eficaz filme de terror que ajudou a inventar o susto súbito.
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A Franquia Gente Gato |
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Em uma crítica de 2006 intitulada “À Espreita”, Roger Ebert disse que Pessoas do Gato foi “construído quase inteiramente a partir do medo.” O diretor Jacques Tourneur compensou um orçamento baixo com uma atmosfera opressiva, suspense implacável e a angústia de sua protagonista, que é manipulada, alvo de fofocas e nunca acreditada — com consequências graves. Como conclui Ebert, “não é nada divertido ser uma mulher gato.”
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Hitchcock Ajudou a Inaugurar o Gênero Slasher
Psicose (1960), dir. Alfred Hitchcock
O protótipo de filme slasher de Alfred Hitchcock, Psycho, teve um início modesto. Filmado com um orçamento baixo e uma equipe de televisão, a simplicidade do thriller em preto e branco disfarçou seu impacto aterrorizante. O filme se tornou icônico não apenas pela performance de Anthony Perkins como o ambíguo Norman Bates, mas também por suas duas reviravoltas narrativas chocantes — uma perto do começo e outra no final. Para preservar essas surpresas, Hitchcock insistiu em uma política de não admissão tardia.
Psycho tem um final que é frequentemente criticado por confundir homossexualidade e desvio, sendo copiado por Roger Ebert em seu roteiro para o filme de Russ Meyer Além do Vale das Bonecas.
Roger Ebert podia ser um oponente feroz de filmes que ele percebia como promovendo misoginia e violência. Seus alvos podiam variar desde produções de arte como Blue Velvet até sangrentos filmes de terror como Silent Night, Deadly Night. No entanto, sua análise de 1998 de Psycho prova que ele conseguia apreciar a profundidade psicológica de um slasher sofisticado.
O que torna “Psycho” imortal, quando tantos filmes já estão meio esquecidos assim que saímos do cinema, é que ele se conecta diretamente com nossos medos: nossos medos de cometer um crime por impulso, nossos medos da polícia, nossos medos de nos tornarmos vítimas de um louco e, claro, nossos medos de desapontar nossas mães.
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Pouco Antes de Psicose, Este Proto-Slasher Escandalizou o Público
Olhos que Condenam (1960), dir. Michael Powell
O Peeping Tom de Michael Powell é frequentemente comparado ao mais famoso Psicose, mas na verdade chegou alguns meses antes. Mark (Carl Boehm) é um fotógrafo tímido durante o dia e à noite um serial killer cuja câmera esconde uma lâmina mortal. Peeping Tom é aclamado como uma obra-prima por críticos modernos como Roger Ebert, mas assustou e ofendeu tanto os espectadores da época que, na prática, acabou com a carreira ilustre de Powell.
Michael Powell e Emeric Pressburger fizeram vários dos maiores filmes de todos os tempos, incluindo Os Sapatos Vermelhos e Narciso Negro.
O voyeurismo frequentemente impulsionava a ação nos filmes de Hitchcock, mas Peeping Tom ultrapassou os limites ao alinhar o espectador não com o encantadoramente curioso Jimmy Stewart de Janela Indiscreta, mas com um assassino cuja câmera é uma máquina de matar. A crítica de Roger Ebert de 1999 sugeriu que o filme foi mal recebido porque confrontou o público com seus próprios impulsos escopofílicos, afirmando que “é uma obra-prima precisamente porque não nos deixa escapar.”
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Este Clássico que Transcende Gêneros é um Astuto Metamorfo
Alien (1979), dir. Ridley Scott
O filme Alien, de Ridley Scott, é uma obra-prima do suspense com uma estética marcante que é fácil de amar, pelo menos para quem tem estômago forte. Quando a tripulação de uma nave de mineração é forçada a investigar uma espaçonave abandonada, eles se deparam com um predador alienígena que está ansioso para usá-los como incubadoras. A combinação especial de ficção científica e horror corporal fez com que o filme se tornasse um favorito tanto entre os cinéfilos quanto entre acadêmicos que buscam decifrar suas bases freudianas.
Alien ganhou o Oscar de Melhor Efeitos Visuais e foi indicado para Melhor Direção de Arte.
Na resenha de 2003 de Roger Ebert sobre Alien, ele atribuiu sua eficácia horripilante à sua ameaça em constante mudança. A tripulação encontra primeiro o facehugger, aprendendo da maneira mais difícil que ele é um polinizador; em seguida, eles têm que se preocupar com o Xenomorfo, que é mortal o suficiente antes da descoberta de seu sangue corrosivo. Ele observa que as inevitáveis sequências provaram ainda mais que “o alienígena é capaz de ser praticamente qualquer monstro que a história requer”.
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A Menos Favorita de Stephen King Foi uma das Favoritas de Ebert
O Iluminado (1980), dir. Stanley Kubrick
A aterrorizante adaptação de Stanley Kubrick do livro O Iluminado de Stephen King gerou muitas teorias de fãs. A história parece contar sobre um hotel assombrado que se alimenta de seus cuidadores, mas alguns espectadores acreditam que a família Torrance enfrenta apenas os horrores mundanos do vício, isolamento e disfunção familiar. O Iluminado inspirou tanta especulação que gerou até um documentário, Room 237.
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Notas Brilhantes |
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Refletindo sobre o filme em 2006, Roger Ebert afirmou que o poder de O Iluminado não reside em alguma verdade final sob sua superfície, mas na simples realidade de que tal verdade não pode ser determinada. Os personagens estão imersos em suas próprias realidades subjetivas, gerando conflitos devastadores e, em última análise, mortais.
Quem é o observador confiável? De quem podemos confiar na interpretação dos eventos? …O filme não é sobre fantasmas, mas sobre a loucura e as energias que ela libera em uma situação isolada, pronta para amplificá-las. …(N)ão há como, dentro do filme, ter certeza com qualquer confiança exatamente do que acontece, ou precisamente como, ou realmente por que.
O panorama cinematográfico atual favorece histórias confortavelmente literais, e muitos fãs são intolerantes à ambivalência e ambiguidade. Críticos como Roger Ebert são inestimáveis ao abrir a mente dos leitores sobre o que um filme pode alcançar, especialmente dentro do gênero de horror sonhador e desafiadoramente ilógico.
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