Os 10 Filmes Mais Mal Compreendidos de Todos os Tempos

Filmes

É preciso ter cuidado ao falar sobre o significado de certas histórias, especialmente quando os filmes em si são ambíguos. No entanto, as pessoas que argumentam que Star Wars não deveria ser político estão gravemente entendendo de forma errada os elementos fundamentais do motivo pelo qual essas histórias existem. Alguns filmes são considerados rasos e carentes de significado, quando na realidade é que críticos ou espectadores não entendem a intenção da obra. Conceitos errôneos como esses relegam alguns filmes realmente ótimos ao monte de lixo da cultura pop apenas porque foram mal compreendidos na época de seu lançamento. O público assistirá a clássicos do cinema por gerações, perdendo a profundidade e sutileza da história se ao menos estivessem dispostos a procurá-la.

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Calúnia de Raiders of the Lost Ark e Indiana Jones

As Pessoas Acham que Indiana Jones Não Afetou a Trama, Mas Isso Está Incorreto

Indiana Jones é um personagem icônico do cinema, e Os Caçadores da Arca Perdida continua sendo a melhor história em seu cânone cinematográfico, mais de quatro décadas depois.

Quando um filme está tão perfeitamente enraizado na cultura pop como Os Caçadores da Arca Perdida, é provável que desperte discussões. Uma teoria ruim de The Big Bang Theory sugeriu que Indiana Jones não teve efeito na trama do filme. Porque no final os nazistas conseguem a Arca da Aliança, abrem e morrem por causa do que sai dela, o público interpreta errado o que no filme faz de Indy um herói. O filme subverte o tipo de história que inspirou a criação de Indiana Jones, o aventureiro destemido que sempre se dá bem. Indy está constantemente em apuros, falha frequentemente, mas continua avançando com pura determinação e coragem.

O motivo pelo qual essa teoria está incorreta é porque Indiana Jones afeta o enredo desde a primeira parada em sua busca. Ele salva Marion Ravenwood de Toht e seus capangas, que também é o ponto principal do filme. Deixando de lado a grande diferença de idade entre Indy e Marion, ele é o herói do filme porque rapidamente deixa de se importar com a Arca e passa a se preocupar apenas em proteger a mulher que ama. Na verdade, mesmo que ele acabe no final com a Arca, o desfecho destaca o quão sem sentido foi descobrir este importante item histórico (e religioso). Em vez de ser pesquisada por “homens de topo”, a Arca é selada e escondida do mundo.

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A Felicidade Não se Compara a Como o Público Acredita em A Felicidade Não se Compara a Como o Público Acredita

Este Natal Fantástico Foi um Filme Anti-Capitalista Disfarçado

O filme de Natal de 1946 de Frank Capra foi um fracasso de bilheteria no lançamento, mas A Felicidade Não Se Compra é o filme pelo qual ele é mais lembrado. É amado em grande parte por ser um clássico natalino e por ser visto como um filme do gênero de ficção científica/fantasia. No entanto, de acordo com o FBI nos anos 1940, o filme foi considerado “maligno” por causa de como retratava Lionel Barrymore’s Henry Potter em comparação com Jimmy Stewart’s George Bailey. Enquanto Washington D.C. estava envolvida na destrutiva e tola “Cruzada Vermelha”, A Felicidade Não Se Compra foi considerado perigoso por sua moral centrada na ideia de que as pessoas devem se ajudar mutuamente.

O estudioso John A. Noakes escreveu extensivamente sobre o interesse do FBI no filme, no entanto, com o tempo, eles não precisavam se preocupar. O clássico reconfortante realmente trata de como Potter e Bailey representam duas filosofias diferentes de bancos. Chamar o filme de “comunista” é absurdo, mas ele pinta um retrato duro do capitalismo pós-Segunda Guerra Mundial que impulsionava a América na época. Mesmo que o público saia do filme percebendo sua moral de que as pessoas são mais importantes que o lucro, muitas vezes eles perdem a crítica às instituições financeiras que continua tão relevante hoje quanto oito décadas atrás.

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Star Wars: A Ascensão Skywalker é uma sequência bagunçada mas complementar

Fãs acham que isso ‘retcon’ em Os Últimos Jedi, mas está profundamente incompreendido

Alguns fãs de Star Wars lamentaram a decisão de trazer o Imperador Palpatine de volta em A Ascensão Skywalker, mas a trilogia sequencial precisava do vilão arquetípico.

Desde a herança de Rey como uma Palpatine até a piada irônica de Luke Skywalker sobre tratar “a arma de um Jedi” com “respeito”, Star Wars: A Ascensão Skywalker é um filme profundamente incompreendido. Isso é algo que ele tem em comum com seu igualmente incompreendido antecessor, Star Wars: Os Últimos Jedi, por causa de sua abordagem para o legado de Star Wars. Em vez de minar o filme de Rian Johnson, A Ascensão Skywalker tenta construir sobre a base adicionando à história e não retirando ou reescrevendo. Por exemplo, a chuva de Ach-To acaba nos luvas de Kylo Ren em Os Últimos Jedi, prenunciando a capacidade de transformar essa conexão da Força em algo completamente físico.

No centro do mal-entendido em torno tanto de The Last Jedi quanto de The Rise of Skywalker está quão confiável Kylo Ren é. Desde dizer que as pessoas deveriam “matar” o passado até os pais de Rey vendê-la por “dinheiro de bebida”, os fãs parecem achar que o lado sombrio conflituoso estava falando com a voz dos roteiristas. A entrada final na Saga Skywalker está superlotada. Provavelmente deveria ter sido (pelo menos) dois filmes em vez de um. Ainda assim, o filme se baseia nas ideias apresentadas em The Last Jedi enquanto incorpora temas maiores dos filmes de Star Wars de George Lucas. Na verdade, se o público verificar os créditos, verá que Lucas foi consultor de história nessa entrada final.

Na emocionante conclusão da marcante saga Skywalker, novas lendas nascerão – e a batalha final pela liberdade ainda está por vir.

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O Lobo de Wall Street Acidentalmente Elevou o Significado de Derrubar

Jordan Belfort não deveria ser tão engraçado e legal como ele parece

Como outros filmes do aclamado diretor Martin Scorsese, O Lobo de Wall Street pode ser visto como glorificando as próprias pessoas que deveria condenar. O filme mostra em detalhes vívidos como a ganância corrompe e como conseguir tudo o que se quer significa perder tudo o que realmente tem valor. No entanto, Scorsese talvez tenha subestimado o quão facilmente o público americano poderia perder esse ponto. Porque, ao contrário de Travis Bickle, Henry Hill ou seus outros personagens criminosos violentos, as pessoas acham que o estilo de vida de Jordan Belfort e seu destino final parecem bem legais, considerando tudo.

Parte do problema vem do elenco, especificamente o quão bem eles interpretaram seus papéis. O Lobo de Wall Street preenche seu mundo com personagens coloridos e estranhos que são divertidos de assistir. Da mesma forma, os momentos destinados a destacar o quão insensíveis ou patéticos eles podem ser são minados por quão bem os atores humanizam seus personagens. O filme passa pouco ou nenhum tempo focando nas pessoas afetadas por Belfort e sua turma. O público em geral entende como a máfia prejudica as pessoas, mas os crimes financeiros e suas consequências são menos imediatamente aparentes. Assim como Glengarry Glen Ross ou Boiler Room, os gananciosos e corruptos veem O Lobo de Wall Street como uma validação e celebração das coisas terríveis que fazem.

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Star Trek V: A Fronteira Final tem algo importante a dizer sobre Deus

Escondido no ‘Pior’ Filme, Há uma Forte Declaração sobre Fé e Hipocrisia

Em Jornada nas Estrelas V: A Última Fronteira, o Capitão Kirk e a tripulação da USS Enterprise partem em uma missão para encontrar Deus, mas eles realmente conseguem completar sua tarefa?

Jornada nas Estrelas V: A Fronteira Final é um filme melhor do que é creditado pelos fãs de Jornada nas Estrelas. Afligido por efeitos visuais ruins, o filme tenta contar uma história muito conceitual sobre Deus, fé e hipocrisia. Em muitas retrospectivas de Jornada nas Estrelas e em seu próprio “diário” publicado durante as filmagens, William Shatner queria que Jornada nas Estrelas V destacasse a importância da amizade entre Kirk, Spock e McCoy em uma história que criticava os populares televangelistas dos anos 1980. O novo meio-irmão de Spock, Sybok, na verdade é tratado de forma muito mais gentil do que sua inspiração, pois ele realmente acreditava que estava em uma missão de Deus.

Apesar da batalha final confusa do terceiro ato que se segue, a cena em que a tripulação encontra o Deus de Sha Ke Ree é onde a mensagem do filme fica clara. Esse ‘Deus’ na verdade é um vilão que pouco se importa com seu rebanho e só quer veneração, louvor e o que não lhe pertence. Esse falso deus abusa da fé que as pessoas lhe dão para benefício próprio. Gene Roddenberry (um ateu declarado) queria que sua tripulação de Star Trek encontrasse Deus, apenas para mostrar ao público que a humanidade não precisava dele. Isso não é o que The Final Frontier se trata. Na verdade, ele diz que aqueles que afirmam falar com a voz de Deus são com muita frequência ou charlatães ou, no caso de Sybok, suas vítimas.

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Mulholland Drive é Insondável, e Esse é o Ponto

O filme ‘Pico’ de David Lynch como um filme ‘como um sonho’ está aberto à interpretação

David Lynch frequentemente fala sobre como seus filmes (e, Twin Peaks, episódios de televisão) são construídos em torno da ideia de narrativa visual como um sonho acordado. O filme Mulholland Drive é talvez o exemplo mais literal dessa filosofia, já que grande parte dele se passa em um mundo percebido como um sonho. A última parte do filme é vista como a versão “verdadeira” da realidade, embora suas imagens finais sejam profundamente surreais. Por fim, Mulholland Drive também é visto como um julgamento de Hollywood e do sistema de estúdios, que corrompe o artístico em prol do lucro e do poder. No entanto, não é tão simples assim.

Elementos comuns no trabalho de Lynch estão presentes em Mulholland Drive, desde a história de “detetive” até a realização do “Sonho Americano”, dessa vez representado pela fama e sucesso financeiro. O final do filme mostra a convergência do mundo dos sonhos com a realidade, o que talvez seja mais próximo do que Lynch está tentando “dizer” com o filme. Assim como os próprios sonhos, o filme está aberto à interpretação, mas também a desafia ativamente. A incerteza sobre o que é real, o que não é e o que tudo isso significa não é apenas intencional, pode ser o ponto de todo o exercício artístico.

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Morte em Veneza foi manchada por outro filme sobre um relacionamento problemático

O Filme Controverso Não se Trata de Luxúria, mas de Morte e Juventude

O filme de 1971 de Luchino Visconti (baseado em um livro de mesmo nome de Thomas Mann) é considerado um clássico do “cânone queer” no cinema. Embora isso seja indiscutivelmente verdade, muitas plateias confundem Morte em Veneza como a “Lolita gay”. Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) é um compositor que está morrendo. Tadzio (Björn Andrésen) é um adolescente atraente que Gustav nota e, eventualmente, fica obcecado. Embora o filme esteja cheio de subtexto queer, Tadzio não é precisamente um objeto de desejo para Gustav. Isso fica claro no flashback da conversa entre Gustav e Alfred (Mark Burns) sobre a natureza da beleza e se a beleza “natural” é superior à arte.

A primeira vez que Tadzio percebe Gustav, em um elevador, ele lhe lança um olhar sedutor. Imediatamente após isso, Gustav lembra de uma discussão com Alfred sobre “moralidade” e “mediocridade” na arte mainstream. Gustav é cativado pela beleza de Tadzio, mas também por sua juventude e vitalidade. O final do filme, no qual Gustav morre enquanto Tadzio brinca e entra na água na praia, contrasta o fim de uma vida com os “melhores anos” de outra. Morte em Veneza é menos sobre como Gustav deseja um relacionamento com esse menino, e mais sobre como ele gostaria de viver a vida despreocupada e bela que Tadzio vive.

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Clube da Luta é Abraçado pelas Próprias Pessoas que Ele Satiriza

O Filme Aborda a Masculinidade Tóxica e a Anarquia sem Sentido

O diretor de O Clube da Luta, David Fincher, admite que já se passaram 20 anos desde que ele viu o filme; ele também não tem interesse em assistir novamente esse clássico cult.

Clube da Luta estava à frente de seu tempo, tanto o filme quanto o romance de Chuck Palahniuk, ao capturar o medo e a desilusão do capitalismo tardio. O filme prepara bem a sua mensagem anti-consumista. No entanto, os personagens bifurcados de Tyler Durden, interpretado por Brad Pitt, e do protagonista sem nome de Edward Norton respondem ao julgamento da América do final do século XX de todas as maneiras erradas. Alguns espectadores saem deste filme querendo começar seus próprios clubes da luta e simplesmente pegar o que querem como os homens durões no filme Clube da Luta. No entanto, o próprio filme destaca muito claramente que esses homens são dignos de pena, no máximo.

O filme em si trata de conexões humanas e do dever das pessoas de cuidarem umas das outras. Clube da Luta é anti-consumista, com Norton como o cara com “tudo” e Durden como o cara com “nada”. No entanto, nenhum deles tem a resposta certa. A ideia de que alguém só é “livre para fazer qualquer coisa” depois de ter “perdido tudo” ainda se trata de autoindulgência e direitos. Ao invés de celebrar um retorno aos papéis de gênero tradicionais, a análise da masculinidade tóxica em Clube da Luta mostra como isso atrapalha a formação das conexões que as pessoas precisam. A violência gratuita, seja no clube ou através do Projeto Caos, é sem sentido.

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Starship Troopers é um Filme Dentro de um Filme

Audiências não captaram a essência desta sátira de propaganda de guerra

Muitos filmes de guerra destinados a mostrar o horror do conflito armado acabam falhando, pois o público vê como uma glorificação. Starship Troopers foi criticado no lançamento pelos críticos, que pareciam levar o filme ao pé da letra. Na época, o público e os críticos não conseguiam enxergar além dos então impressionantes efeitos visuais, com muitos sendo influenciados pelo entusiasmo exagerado dos soldados humanos para matar os supostamente violentos insetos. No entanto, o que muitos na época viam como falhas no filme foram incluídas para reforçar a sátira dos filmes de guerra propagandísticos destinados a inocular simpatia pelo inimigo e encorajar as pessoas a se alistar para matá-los.

Seja por conta das performances intencionalmente camp ou da violência intensa, décadas depois o público ainda não percebe que Tropas Estelares é um alerta para uma cultura obcecada por guerra. Logo no início do filme, por exemplo, Michael Ironside como Mr. Razchak fala sobre o “fracasso da democracia” e como o controle militar e a violência são os únicos responsáveis por manter a ordem e a estabilidade. Os personagens falam diretamente para a câmera, sendo muitos deles imediatamente e violentamente assassinados pelos insetos. No final do filme, ao perceberem que o inimigo não é apenas “inteligente”, mas também “amedrontado”, as massas reunidas aplaudem.

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O Corpo de Jennifer é uma Vítima de Má Publicidade

Aqueles que menosprezaram como uma comédia de terror vulgar provaram o ponto do filme

Além de vender o filme para o público, o marketing cria as expectativas que os espectadores têm do filme. O Corpo de Jennifer não foi favorecido pelo seu marketing, que vendeu o filme como um filme de terror sexy para os adolescentes e jovens adultos que queriam ver mais de Megan Fox. Fotos do set tiradas durante as filmagens da famosa “cena do lago” também circularam online e foram muito mais reveladoras do que a cena em si. Além disso, a roteirista Diablo Cody enfrentou escrutínio crítico negativo na época, e muitos críticos se recusaram a procurar um significado mais profundo no filme. Por exemplo, o grande Roger Ebert escreveu em sua crítica que O Corpo de Jennifer era “Crepúsculo para meninos”, uma análise duvidosa no mínimo.

No entanto, nos últimos cinco anos, o público e os críticos perceberam que o discurso contemporâneo entendia profundamente mal o filme. Jennifer é uma personagem trágica que não tem autonomia sobre seu próprio corpo. O papel da virgindade no filme, múltiplas alegorias de agressão sexual e, de forma mais sutil, o subtexto queer entre Jennifer e a personagem de Amanda Seyfried, chamada “Needy”, é o motivo pelo qual se tornou um clássico na era do streaming. Em vez de um filme que celebra, ou até mesmo satiriza, a forma como o sexo é usado em filmes de terror, é uma crítica a isso. A violência contra Jennifer é acompanhada por risos e cantos. Os assassinatos de Jennifer tendem para o lado mais campy do terror, o que é destinado a tornar a parte da fantasia de vingança mais palatável. Independentemente de alguém achar que Garota Infernal é eficaz ou não, é claro que foi profundamente mal interpretado em seu lançamento.

Via CBR. Veja os últimos artigos sobre Filmes.

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