As produções de longa-metragem do Studio Ghibli abrangem uma ampla variedade de cenários—tanto em seus pontos de partida quanto dentro dos próprios filmes. Às vezes, o público é apresentado a contrastes marcantes para retratar os temas mais profundos que vão além da trama, e em outras ocasiões, o objetivo do filme é mostrar como os locais representados se interconectam. A atenção característica de Ghibli ao estilo é mais do que evidente em clássicos ambientados no mundo real, como O Túmulo dos Vagalumes e Quando Marnie Está Aqui, mas a equipe dá um brilho a mais aos mundos únicos que inventa.
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Castelo no Céu Exibe Conquistas e Arrogância Humana
Máquinas de Guerra Combatem Cenários Naturais nesta História de Triunfo
Embora o Studio Ghibli seja amplamente conhecido por sua ênfase na deslumbrante vegetação da natureza, é impossível ignorar a fascinação de Miyazaki por máquinas. Engrenagens, moinhos de vento e outras máquinas cada vez mais avançadas aparecem na abertura de O Castelo no Céu, antes que o filme passe para os aviões de guerra destrutivos em suas cenas de ação. No entanto, a capacidade da humanidade de extrair do planeta com suas invenções ainda é equilibrada à medida que a trama avança.
A beleza da ilha Laputa, mesmo em seu estado coberto de vegetação, se destaca em um forte contraste verde com grande parte da cidade onde Sheeta e Pazu se encontram. Justamente quando o público espera uma mensagem de confronto absoluto, o gentil autômato que cuida dos jardins e dos animais nos terrenos do castelo em O Castelo no Céu demonstra a importância da tecnologia e do avanço humano como forças a serem cultivadas para o bem maior.
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O Serviço de Entregas de Kiki é uma Mágica História de Crescimento
Os Encantadores Cenários de Baixa Fantasia Foram Inspirados em Cidades Pequenas da Vida Real
O Serviço de Entregas da Kiki é uma história sobre a jornada de uma jovem em direção ao empreendedorismo. Os espectadores acompanham a bruxa novata Kiki e seu familiar felino Jiji enquanto eles viajam de sua aconchegante casa para a movimentada cidade portuária de Koriko, para iniciar a próxima fase de sua vida como proprietária/operadora de um negócio e usuária independente de magia. Sua casa de infância é exuberante e acolhedora—e possivelmente cheia de tanto verde por dentro quanto por fora.
A movimentada cidade para a qual Kiki se muda está repleta de uma modernidade “grande cidade” que a choca, mas ainda representa uma vida urbana peculiar para todos que estão mais acostumados com concreto do que com paralelepípedos. Embora a cidade de Koriko não seja real, seu design é inspirado nas viagens da equipe do Ghibli pela Europa Alpina, e cada cena em O Serviço de Entregas da Kiki brilha com a pesquisa da equipe combinada com seu estilo característico.
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O Castelo Animado de Howl Encanta o Público com o Maximalismo
A Jornada de uma Mulher pela Casa Móvel Mais Mágica do Anime
O Castelo Animado mostra sua essência de fantasia logo de cara, enquanto a casa mágica de Howl surge da névoa. Equilibrando a linha entre o mágico e o mecânico, a própria casa é uma analogia apropriada para o restante do filme—outra história de baixa fantasia que mistura o sobrenatural com o cotidiano. A adaptação do romance de Dianna Wynne Jones vai da loja de chapéus administrada pela família de Sophie a cidades inspiradas na Europa, campos naturais deslumbrantes e, mais fantastico, a própria casa de Howl.
Em O Castelo Animado, plantas, máscaras, instrumentos, fungos e todo tipo de decoração em vidro das viagens de Howl emolduram o santuário do mago de uma maneira que apenas várias visualizações e muitas capturas de tela podem capturar — apropriado para este mago maior que a vida e o mundo que ele habita. A charmosa cidade de Sophie, os campos que ela atravessa e o restante do interior do Castelo Animado brilham, mas o intrincado santuário de Howl é, sem dúvida, o cenário que se destaca.
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A Princesa Mononoke Coloca a Natureza Contra a Indústria
O Filme Transita de Tons de Cinza para Preto e Branco, Mantendo Tudo Colorido
O ambientalismo é um tema presente em muitos filmes do Ghibli, e o amor do estúdio pelo mundo natural é mais evidente em Princesa Mononoke. O filme começa na cidade natal de Ashitaka, inspirada em grupos étnicos japoneses como os Ainu e Emishi, cujo nome é emprestado para o povo do príncipe. Essa abertura estabelece a mensagem do Príncipe Ashitaka sobre viver em harmonia com os espíritos e a natureza ao seu redor, antes de sua jornada para um palco onde os dois mundos estão desarmoniosamente separados. Mas os lados polarizados não estão sem seus próprios encantos.
A fortaleza da Lady Eboshi é fortemente protegida e industrializada, mas ao mesmo tempo possui uma iluminação acolhedora e convidativa. As cenas de construção de armas em Princesa Mononoke são partes iguais limpas e íntimas, refletindo a saúde e a felicidade de seus seguidores trabalhadores. Da mesma forma, a floresta é exuberante e cheia de vida ricamente ilustrada, com montanhas e penhascos mais severos refletindo o amargor dos seres espirituais oprimidos e seus sentimentos anti-humanos bem justificados. Ambos os lados devem se unir no final, mas a estilização torna fácil ver os lados bons de ambas as facções.
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Ponyo Estiliza o Poder da Amizade
A Inspiração Elemental Faz Sucesso Neste Encantador Lançamento.
Ponyo possui um estilo que se destaca, mesmo entre outros filmes da Ghibli, por ser tanto extra achatado quanto extra arredondado, refletindo a idade mais jovem dos protagonistas, assim como a sensação da água que é tão proeminente. Efervescente é a palavra-chave tanto para o filme quanto para seus personagens principais, mas esta película não é uma história simplista de conto de fadas.
As forças da natureza, embora suavizadas e estilizadas, ainda são majestosas em seu poder e destacam os altos riscos do desequilíbrio ambiental na trama. Tempestades de peixes gigantes, paredes de águas-vivas da lua ondulantes e uma escola gigante de adoráveis garotas-peixe tornam a beleza de Ponyo uma combinação de estilo e grandiosidade. Ver a glória do que Ponyo deixou para trás para viver como amiga de Souske ressalta quão poderoso é o amor que eles têm um pelo outro.
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Meu Amigo Totoro vai além do ícone
O Filme é Muito Mais do que Apenas Produtos Licenciados
Meu Amigo Totoro é o terceiro longa-metragem do Ghibli e, à primeira vista, pode parecer que tudo gira em torno de produtos licenciados, dado o status icônico das criaturas-título do filme. Mesmo aqueles que não são fãs de anime podem reconhecer Ō-Totoro através de figuras, camisetas, impressões e muito mais. De fato, Ō-Totoro e Chibi Totoro são os mascotes modernos do estúdio, aparecendo nos cartões de abertura do Ghibli. No entanto, essas formas icônicas e fofas são apenas uma parte de um filme que evoca doses iguais de encanto e nostalgia.
Harmonia é a palavra-chave para a beleza de Meu Amigo Totoro—a pintura antiga na parte externa de madeira da nova casa da família Kusakabe combina com o canto coberto de musgo onde Mei encontra Ō-Totoro dormindo, o que se conecta perfeitamente com as ruas de terra da cidade. O desejo característico do estúdio Ghibli de promover a integração com o mundo natural, além de instilar sentimentos de proteção por ele, brilha na ênfase visual de Meu Amigo Totoro sobre a convivência entre humanos e o meio ambiente.
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O Mundo Secreto de Arrietty Muda a Perspectiva Sobre Perspectivas Mudadas
Esses “Tomadores” Oferecem ao Público Muito Mais do Que Recebem
Miyazaki é conhecido por dar voz a personagens menores—muitos dos protagonistas da Ghibli são crianças, às vezes até mais novas do que os habituais adolescentes de outros animes. Em O Mundo Secreto de Arrietty, no entanto, a protagonista vive sua pequena vida de forma mais literal, como uma “Emprestadora”—uma criatura do tamanho de uma fada que vive em um mundo escondido dos humanos, dezenas de vezes maiores do que ela. O esplendor visual aqui não vem de ver o mundo através dos olhos de uma criança, mas de um ponto de vista reduzido e mais prático que não é menos detalhado e vívido.
No quarto de Arrietty, um talo de trigo vai do chão ao teto como uma planta tropical de décadas atrás em um espaço humano, e dá lugar a um ambiente ricamente decorado que quase rivaliza com o de Howl Jenkins. Ao visitar Sho, ela escala uma hera que reflete a proporção das antigas árvores presentes na maioria das outras obras do Ghibli. No entanto, em O Mundo Secreto de Arrietty, a imensidão não apenas evoca admiração no espectador, mas também destaca a distância irreconciliável e muito literal entre os pequenos e os humanos ao seu redor—uma distinção trágica, mas bela, que só pode ser reconciliada com a separação, mas não com a falta de afeto.
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A Viagem de Chihiro Permite que os Espectadores Se Percam
O Cenário Justifica Ficar Preso no Mundo Espiritual
Embora A Viagem de Chihiro trate de uma garota tentando escapar de um mundo de fantasia, o reino dos espíritos que aprisiona Chihiro e seus pais porcos está longe de ser hostil. O banheira de Yubaba é o centro das atenções, com um escritório luxuoso, vistas refrescantes e até uma impressionante caldeira no andar inferior, mas as pausas desse cenário ainda são de tirar o fôlego. As águas cristalinas da estação de trem capturam a imaginação, e até mesmo o túnel abandonado ao qual Chihiro e seus pais finalmente conseguem retornar ainda exibe um exterior coberto de musgo, de forma assombrosamente bela, apesar de que o portal que um dia foi já ter desaparecido.
Spirited Away nunca se esquiva do trabalho duro que Chihiro precisa enfrentar para sobreviver em um mundo de servidão forçada e preconceitos anti-humanos. Mesmo assim, a protagonista e os espectadores não têm falta de elementos visuais para apreciar enquanto a história se desenrola. Polir pisos e carregar lixo dos corpos espirituais dos rios nunca pareceu tão cansativo, mas ao mesmo tempo tão envolvente. As criaturas fantásticas que Chihiro encontra nunca ofuscam as cenas preparadas para elas, e embora sua liberdade seja um triunfo, haverá muito que ela sentirá falta.
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Contos de Terramar Refletem a Família Miyazaki
Um Primeiro Contato com a Alta Fantasia de Goro Miyazaki Impressiona
Goro Miyazaki seguiu os passos de seu pai Hayao ao fazer uma adaptação cinematográfica em animação de uma fantasia e mantém a tradição de cenários deslumbrantes ao longo de Contos de Earthsea. O cenário inspirado no Mediterrâneo e no Levante irradia tons de joias e céus gloriosos tanto sob a perspectiva de dragões quanto de humanos. Tapeçarias ricas, robes e mosaicos capturam a imaginação dentro da casa do Príncipe Arren, mas uma vez que ele se afasta fisicamente dela, são os céus que ganham destaque.
Essas vistas apresentam-se ao lado de imensas edificações de pedra como aquedutos e colunas que alcançam o céu, ancorando o mundo e permitindo que os espectadores percebam as pequenas peças humanas se movimentando na grande narrativa. Embora os impulsos sangrentos de Arren o deixem abalado, os céus e os campos abertos em sua jornada para entendimento e resolução o fazem parecer pequeno em uma mensagem sobre quão insignificantes, na verdade, até mesmo os maiores tabus da vida humana realmente são. Goro Miyazaki passou para outros projetos de animação, mas a explosiva estreia de Tales From Earthsea não pode ser ignorada.
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O Menino e o Garça Salva o Surrealismo para o Fim
Suas Abstrações Premiada Impressionaram o Público
Quantificar o melhor de qualquer coisa é uma tarefa difícil, mas um Oscar de Melhor Longa-Metragem de Animação traz um pouco mais de autoridade ao termo. O Menino e o Pássaro vai além dos já altíssimos padrões que o Studio Ghibli estabelece para a riqueza da natureza, paisagens idílicas e criaturas de outro mundo. Em comparação com outros filmes do Ghibli, um estilo mais elaborado se mistura com borrões e gotejamentos à la Dalí para intensificar a sensação de estar em um sonho.
Mahito viaja por portais cheios de luzes ofuscantes e fogo, explorando seu trauma relacionado à guerra, seu amor por sua mãe falecida e a necessidade de continuar vivendo na realidade atual. Através de estilos variados e sequências surreais, Hayao Miyazaki fez de seu último filme o mais profundamente atraente em termos visuais, de uma forma que até instituições fora do mundo do anime puderam apreciar e elogiar. E, uma vez que o espectador desperta para O Menino e o Garça ser o último filme de Miyazaki, a satisfação agridoce não é uma sensação indesejada.
