melhor filme Hayao Miyazaki
Rico em construção de mundo, repleto de tensão e resplandecente em seu estilo artístico, Princesa Mononoke se mostrou um dos filmes mais ambiciosos de Miyazaki. Desde as proporções épicas da narrativa até a exploração inovadora dos temas do filme, Princesa Mononoke ousou tentar percorrer um caminho anteriormente não trilhado e, em sua busca, se tornou a obra-prima do Studio Ghibli e de Hayao Miyazaki.
Os Personagens Moralmente Complexos Vivem em Tons de Cinza
O Filme Tenta Encontrar o Limite Entre Viver em Harmonia com a Natureza e Abusá-la
Em sua essência, a envolvente história de Princesa Mononoke explora a relação da humanidade com a natureza, enquanto tenta encontrar o equilíbrio entre exploração e harmonia. A trama acompanha Ashitaka, um jovem príncipe guerreiro expulso de sua vila após ser amaldiçoado por um demônio javali. Seus anciãos o aconselham a descobrir a causa da fúria do javali, enviando Ashitaka para o oeste, onde ele se envolve no conflito entre a industrializada Vila do Ferro, liderada pela Lady Eboshi, e os espíritos da floresta, liderados pela jovem humana criada por lobos e uma das melhores guerreiras femininas do anime, San.
Diferente de muitas narrativas tradicionais — e até mesmo de algumas obras anteriores do Estúdio Ghibli, como Castelo no Céu — não há vilões verdadeiros na história. Em vez disso, cada personagem recebe uma perspectiva sutil enquanto o filme tenta compreender melhor o momento em que a amizade se transforma em discórdia na interação dos humanos com a natureza. A busca da Lady Eboshi por progresso e inclusão é tão envolvente quanto a devoção feroz de San pela floresta, criando uma complexidade moral que transcende os binários simplistas de certo e errado.
A Vila de Ferro da Lady Eboshi precisa dos recursos que a montanha oferece para sustentar suas vidas, assim como as criaturas da floresta necessitam desses mesmos recursos para sua própria sobrevivência. Os dois extremos apresentados por essas duas líderes ressaltam que a linha que divide os dois ideais não é tão clara. San defende a luta pelos que não conseguem se defender, como é evidente em seu cuidado gentil pelos kodama — indiscutivelmente alguns dos melhores personagens não humanos do Studio Ghibli — enquanto Eboshi também demonstra essa característica ao acolher os leprosos e oferecer trabalho às mulheres. Por outro lado, Eboshi valoriza a honra, como mostrado quando agradece a Ashitaka por ter trazido de volta seus homens perdidos, e compartilha essa característica com San, que tenta resgatar Okkoto de se tornar um demônio.
Raiva e Ressentimento Fermentam na História
O Filme Abandona o Território Familiar em Favor de um Tom Sombrio
O filme tenta transmitir um aviso sobre as tolices do ódio, mas, para expressar melhor aquilo que deve ser evitado, ele mostra a raiva. Tudo começa com Nago amaldiçoando os humanos que o mataram, mesmo depois de eles se desculparem pelo ato e prometerem lembrar corretamente de sua trágica queda. À medida que Ashitaka viaja, ele arranca braços e cabeças de samurais invasores, uma habilidade concedida a ele pela marca da maldição que Nago impôs em sua luta final. Mesmo aqueles samurais inspiram raiva no público, pois são vistos atacando fazendeiros em fuga, mulheres e não combatentes. Assim que Ashitaka chega à raiz da fúria de Nago, o público imediatamente se depara com mais ira, enquanto Moro e seus filhotes atacam as linhas de suprimento dos mineradores da Vila do Ferro.
Comparado aos trabalhos anteriores de Miyazaki — como Castelo no Céu ou Meu Amigo Totoro — uma raiva escura e amarga permeia o filme. Os espetáculos de violência, as cenas surpreendentes de ódio e a forma como o sangue jorra de todos os seres vivos (até as plantas morrem violentamente no final do filme) parecem retratar um desespero sobre o estado da relação entre humanos e natureza que o próprio filme tenta entender. No entanto, não parece oferecer uma resposta, já que Ashitaka e San ainda vivem separados um do outro. Talvez parte da animosidade do filme tenha se voltado para dentro em um acesso de frustração que, mesmo ao final da reflexão, nenhuma resolução sólida pode ser encontrada sobre a linha entre exploração e utilização.
O Filme Conta uma Narrativa de Proporções Épicas
A Jornada de Ashitaka Parece Maior que a Vida
Após ser amaldiçoado pelo deus javali amargo e ressentido que se tornou demônio, Nago, Ashitaka parte em sua jornada para ver com olhos desobstruídos pelo ódio. Ele viaja para o oeste a sugestão do ancião da aldeia e parte no meio da noite, com apenas sua irmã testemunhando sua partida (já que é considerado um tabu para qualquer um fazer isso, e Kaya quebra as regras em uma última demonstração de afeto por seu irmão mais velho). Uma sequência deslumbrante se segue, acompanhada por uma trilha sonora linda e impressionante do talentoso Joe Hisaishi, mostrando as viagens de Ashitaka. Esta abertura crucial ajuda a trama por dois motivos distintos.
No primeiro, estabelece o cenário para a narrativa épica da trama. A jornada que Ashitaka empreende abrange mais do que apenas um pequeno canto do mundo, mas ilustra quão longe vão as implicações da busca de Ashitaka. O fato de que a animosidade e o ódio gerados por um conflito tão distante podem infestar e arruinar a vida de uma vila a milhares de quilômetros de distância destaca o poder destrutivo da raiva desenfreada. E serve como um aviso ao público para não cair na armadilha do ódio como Nago fez.
Em segundo lugar, isso reforça o caráter de Ashitaka, realizando ao mesmo tempo a construção do mundo e o desenvolvimento do personagem. Através dessas vislumbres das viagens de Ashitaka, o público compreende melhor o mundo que abriga a história e a mensagem da narrativa. A natureza é mostrada de forma favorável, com lindas colinas, montanhas e lagos retratados enquanto Ashitaka continua sua jornada. Vislumbres da personalidade de Ashitaka também aparecem, ajudando os espectadores a entenderem melhor um dos protagonistas da história, como quando Ashitaka alimenta Yakul antes de se alimentar e como ele resgata uma mulher da vila atacada por samurais enlouquecidos. Essas cenas ajudam a preparar o público para a narrativa épica que está por vir, fornecendo contexto, construção do mundo e preparando a audiência para a profunda e filosófica mensagem apresentada pela narrativa.
O Estilo Artístico e a Música Trabalham em Conjunto para Apoiar a Narrativa e os Temas
Eles Complementam a Natureza Artística das Histórias de Ashitaka e San
O estilo de arte distinto de Hayao Miyazaki está presente e é sentido em cada detalhe do filme, desde as folhas das árvores até o design dos personagens. O cuidado e a atenção ajudam a transformar o filme em algo mais do que uma simples história, elevando seu status a uma obra-prima artística. A animação também tem seus momentos de destaque, com os movimentos suaves e fluidos das pessoas, animais e os sutis movimentos da natureza trabalhando juntos para compor uma cena vívida. A cena em que o Andarilho da Noite se move lentamente pela floresta em direção à abertura nas árvores onde a lagoa espera, com os kodama — que podem ser as criaturas não-humanas mais fofas de um filme do Studio Ghibli — observando atentamente, demonstra o cuidado dedicado à arte e animação do filme. A criatura invariavelmente bela e impressionante, tanto justa quanto separada do céu noturno, evoca sentimentos de admiração e terror em igual medida, uma conquista que se deve em grande parte aos detalhes intrincados e ao impressionante trabalho artístico do filme.
Até a trilha sonora tem seus momentos para contribuir de forma significativa para o filme, com Joe Hisaishi oferecendo uma trilha sonora assombrosamente cativante que enfatiza as emoções despertadas pela narrativa. A encantadora música orquestral destaca a beleza da natureza, como é mais evidente quando Ashitaka viaja do leste em direção à cidade de ferro a oeste, buscando uma oportunidade de ver com olhos desobstruídos pelo ódio. A sensação épica, comovente e quase divina de grandeza que a música traz à tona pinta a natureza de forma positiva, mas, de forma oposta, a música dos humanos é tratada com a mesma reverência. A canção que acompanha as mulheres enquanto trabalham, cantada com vozes humanas, é igualmente bela e fascinante, ajudando a compartilhar o principal dilema apresentado pela narrativa do filme.
Seus Temas de Natureza, Ambientalismo e Industrialização Permanecem Prevalentes Décadas Depois
Eles Ressoam com o Público de Todas as Classes Sociais
A mudança climática e o “ir verde” se tornaram palavras da moda nos últimos anos, evidenciando a transformação que a comunidade global tem buscado ao expandir as conversas sobre os humanos e sua responsabilidade com a natureza. O conflito entre as criaturas e deuses da floresta, e os humanos e mineiros da Vila de Ferro, surge de uma questão de território. Enquanto os humanos desejam cavar a montanha, arrancando as árvores para lenha e extraindo o minério de ferro rico na terra, os animais resistem à destruição e às mudanças. Esperando encontrar um equilíbrio, Ashitaka intervém, reconhecendo os méritos de ambos os lados e incentivando cada um a deixar de lado seu ódio tendencioso para se colocar no lugar do outro. Dessa forma, o filme também incentiva os espectadores a pensarem como cidadãos da floresta.
Embora um bom número das obras de Miyazaki incorpore elementos e temas relacionados ao meio ambiente — como pode ser visto no fato de que muitos personagens do Studio Ghibli se esforçam para proteger a natureza — este filme tende a focar mais na resiliência da natureza do que a maioria, oferecendo um raio de esperança apesar do tom sombrio da obra. Depois que Ashitaka e San devolvem a cabeça do Espírito da Floresta, seu corpo cai sobre a terra, rejuvenescendo e restaurando a vida, mesmo enquanto ele perece tristemente devido à situação. A maldição de Ashitaka é curada, a pele dos leprosos é tratada e a vegetação drenada começa a ficar verde novamente. É como se, nos momentos finais do filme, Miyazaki lembrasse aos espectadores que, não importa quão selvagem e desesperador o mundo se torne, a humanidade tem a capacidade de persistir até que uma cura seja encontrada.
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