Studio Ghibli: O Impacto nos EUA

Studio Ghibli

Durante várias décadas, o Studio Ghibli se tornou a empresa pioneira em animação e se firmou como uma parte amada do cinema americano. Clássicos como A Princesa Mononoke, A Viagem de Chihiro, e O Castelo Animado de Howl — apenas para citar alguns — se tornaram peças de uma iconografia lendária para fãs de várias idades. Essas histórias, carregadas por uma animação magistral, são uma parte fundamental da indústria de animação hoje, mas levaram muitos anos de trabalho árduo para chegar a esse ponto.

Os Estados Unidos podem ser um dos países impulsionadores da animação de pico, mas a história da indústria neste país tem sido enterrada em limitações e censura. A animação nos EUA tem sido mais um negócio de entretenimento infantil do que qualquer outra coisa, mas o lado mais sombrio da indústria a conecta à guerra, preconceito e à restrição da expressão criativa. Com muito menos censura e mais flexibilidade no entretenimento no Japão, o anime para televisão e cinema lutou para se encaixar na cultura americana. O Studio Ghibli tem uma história com os EUA que não é diferente, mas serve como um lembrete do que significa ser pioneiro.

Animação Americana Levou Décadas Para Alcançar o Público Maduro do Studio Ghibli

Os EUA podem não ter o crédito por criar ou aperfeiçoar a animação como o Reino Unido e a França fizeram no início de 1900, mas a nação fez seus próprios marcos e criou sua própria cultura em torno desse meio artístico. O Steamboat Willie de Walt Disney é o primeiro filme animado com uma trilha sonora totalmente composta; isso pioneirou o propósito da música associada à animação. Os EUA também têm todo o mérito por produzir o primeiro longa-metragem totalmente animado, Branca de Neve e os Sete Anões de Walt Disney (1937), que tem a duração de uma hora e vinte e três minutos. Enquanto os artistas por trás desses primeiros exemplos e os artistas que ainda estavam por vir certamente entendiam os méritos artísticos e a liberdade criativa da animação, o meio seria restrito na maior parte de sua história.

Mais do que para crianças, mas ainda com várias controvérsias

A história inicial da Disney geralmente destaca a animação infantil que eles produziram, mas a empresa também tinha conteúdo voltado para o público militar e adultos. À medida que a arte da animação crescia no final dos anos 1920, um evento histórico ainda maior aconteceu ao longo dos anos 1930 – a Segunda Guerra Mundial. A Disney dedicou tempo não apenas para criar conteúdo para entreter crianças e adultos, mas, de acordo com o Smithsonian, eles produziram vídeos animados para os soldados que se preparavam para se juntar ao esforço de guerra. Esses vídeos incluíam filmes de treinamento militar e curtas educativos para promover o patriotismo. Eles apresentavam o Pato Donald como um recruta do exército e Minnie Mouse fabricando explosivos. Ao mesmo tempo em que a Casa do Rato estava trabalhando com o Tio Sam para lutar na guerra, a guerra da censura estava ocorrendo nos Estados Unidos.

O livro Forbidden Animation: Desenhos Animados Censurados e Animadores na Lista Negra da América, escrito pelo autor e professor de animação Karl F. Cohen, detalha a história mais sombria da animação nos Estados Unidos. Enquanto o conteúdo sexual da icônica personagem de desenho animado Betty Boop e sua ligas ainda podem se encaixar no mundo atual do entretenimento animado, as representações racistas de afro-americanos podem permanecer banidas. Desde os anos 1920, o impulso pela censura da animação americana veio de várias razões, que vão desde religião até direitos humanos. De 1934 até 1968, a animação teatral foi totalmente censurada. O livro de Cohen explica: “Os censores fizeram a Disney cobrir tetas de vaca com vestidos, e fizeram Betty Boop abaixar sua barra para que sua liga não fosse mais vista pelo público.”

Mesmo o medo do Comunismo nos anos 1950 impactou criticamente a animação nos EUA. O livro de Cohen explica que “um estúdio de animação foi forçado a fechar porque os donos eram considerados comunistas”. Qualquer coisa que parecesse se alinhar com o “Medo Vermelho” se tornava um crime, limitando qualquer expressão artística, incluindo a animação. Mesmo quando o medo do Comunismo acabou nos anos 1960 e a censura oficial foi substituída por um sistema de classificação etária em 1968, a animação ainda estava sob pressão de uma audiência que rejeitava muitos ideais não tradicionais, especialmente no que diz respeito ao conteúdo infantil.

O primeiro longa-metragem animado classificado como X foi Fritz the Cat de 1972, uma comédia erótica protagonizada por um gato tigrado sexualmente impulsivo embarcando em aventuras selvagens. Enquanto este filme abriu caminho para séries animadas para adultos como Beavis and Butthead (1993) e eventualmente Rick and Morty (2013), ainda reflete a visão dos EUA para animação – ou conteúdo saudável para crianças ou comédias sexuais para adultos. A única exceção à regra foi The Flintstones (1960), que originalmente foi feito para ser uma série para adultos sobre a vida adulta cotidiana; a única parte não relacionável da série era o cenário pré-histórico.

A Introdução do Japão à Censura Americana

Nos tempos de mudança dos anos 1960 em diante, conteúdo animado japonês começou a entrar nos EUA, principalmente para televisão. Os produtores tiveram que navegar no campo minado do gosto americano, o que levou a uma imensa censura e alterações em muitos títulos, incluindo a série Speed Racer, que é uma alteração do título japonês Mach GoGoGo. Animes infantis, como Astro Boy, são as séries predominantes que chegaram aos EUA na década de 1960. Quanto à censura, até mesmo o famoso Studio Ghibli não conseguiu evitar ter alterações feitas em seu filme de 1984 Nausicaä do Vale do Vento, que foi renomeado Guerreros do Vento nos EUA.

Studio Ghibli continuaria a ter sucesso no Japão com seu filme Meu Amigo Totoro, o que os levaria à conexão com a Disney por volta dos anos 90. Mesmo com o avanço da animação longe de seu conteúdo inocente para crianças e aprendendo a lidar com a controvérsia, não foi um sucesso com os espectadores americanos. Os espectadores não estavam indignados com o Studio Ghibli, mas definitivamente não estavam prontos para isso.

O Desejo da Disney por um Toque Mágico Japonês Trouxe o Studio Ghibli para uma Audiência que Não Estava Pronta Para Isso

Disney se encanta por Totoro, mas considera Mononoke

Em 1996, Steve Alpert foi contratado para liderar as vendas internacionais do Studio Ghibli e trabalhou em estreita colaboração com o produtor-chefe e co-fundador Toshio Suzuki e o gerente de assuntos de produção Shinsuke Nonaka. Seu trabalho colaborativo levou à globalização do Studio Ghibli e é detalhado no livro de memórias de Alpert Compartilhando uma Casa com o Homem Sem Fim: 15 Anos no Studio Ghibli. A partir da conexão da Disney de Alpert, o estúdio esperava ter outra chance de levar seu trabalho aos telespectadores americanos, sem censura obscena. Após o sucesso do Studio Ghibli com Meu Amigo Totoro (1988), a The Walt Disney Company estava mais do que feliz em trabalhar com eles.

O filme inspirador sobre duas jovens encontrando alegria e esperança em uma criatura mágica da floresta estava no caminho certo da Disney, então eles participariam da produção do próximo filme do Studio Ghibli, chegando ao ponto de redigir um contrato que afirmava que nenhuma alteração ou censura mudaria o filme. A Disney não esperava que o próximo projeto de Hayao Miyazaki fosse um conto dramático e sangrento sobre a luta entre a humanidade e as forças da natureza. Este filme era Princesa Mononoke, e quando os executivos da Disney viram trechos do filme e suas cenas mais sangrentas, começou uma guerra de poder.

Studio Ghibli Luta Para Proteger Sua Arte, Mas Nem Tudo Sai Como O Planejado

O Studio Ghibli, é claro, queria que o filme permanecesse como os criadores tinham imaginado, mas vários executivos da Disney (incluindo Harvey Weinstein) fizeram exigências de cortes. Com o apoio de Alpert, Ghibli conseguiu manter a duração, violência e misticismo japonês de Princesa Mononoke. Quando se tratou de traduzir literalmente o filme, quadrinho e romance, o autor Neil Gaiman é dito ter feito maravilhas para dar vida ao diálogo em inglês. No livro de memórias de Alpert, ele afirma que o trabalho de Gaiman deu “de volta o poder e o fluxo”.

Após cerca de quatro anos de trabalho neste projeto, Princesa Mononoke foi finalmente lançado nos cinemas dos EUA em 1997 e foi distribuído para mais de 50 países. Infelizmente, o filme não conseguiu impressionar os americanos. Com um orçamento de US $ 20 milhões, a semana de abertura nos EUA foi de apenas US $ 144.446. No geral, os US $ 2,3 milhões arrecadados nos EUA representam apenas 1,6% da bilheteria mundial, que foi de US $ 150,3 milhões.

Filmes do Ghibli Não Tiveram Escolha A Não Ser Surfar na Onda do Entretenimento Infantil

*a partir de abril de 2024

De alterações de Nausicaa ao desprezo de Princesa Mononoke, o Studio Ghibli teve dificuldades em se firmar na cultura cinematográfica americana. O filme inovador A Viagem de Chihiro (2001) foi muito melhor do que Princesa Mononoke, mas apenas o suficiente para começar a chamar a atenção para o estúdio de animação japonês. No Japão, no entanto, o filme quebrou o recorde de bilheteria. Sua maior vitória nos EUA foi a vitória no Oscar de 2003 de Melhor Filme de Animação. John Lasseter, mais conhecido por seu trabalho na Pixar, foi uma figura importante na promoção do filme de 2001 nos Estados Unidos.

Uma Diferença Entre Anime e Studio Ghibli

Esse fracasso de lançamento nos EUA não pode ser atribuído às origens internacionais do Studio Ghibli. De acordo com o Statista, o filme de anime Pokémon: O Filme (1998) arrecadou US$ 85,7 milhões, o que supera em muito os US$ 2,3 milhões de Princesa Mononoke no mesmo ano. Não se trata da localização do estúdio ou do timing, mas sim do conteúdo desses filmes animados. O público-alvo também é bastante diferente; o filme animado voltado para crianças em um cenário fictício se saiu muito melhor do que o filme animado para adultos ambientado no Japão.

Enquanto a influência americana do Ghibli não era forte no final dos anos 90 e nos primeiros anos dos anos 2000, continuou a fazer grandes avanços no Japão e em outros países. Se por coincidência ou escolha, a próxima década de filmes foi direcionada a um público mais jovem com filmes como O Castelo Animado (2004) e Ponyo: Uma Amizade que Veio do Mar (2008). O anime televisivo se tornou um pilar para um grupo etário mais amplo nesta era, mas era principalmente voltado para crianças e adolescentes. O grande diferencial para o Studio Ghibli podia ser visto nas vendas de DVD e na comercialização.

O Culto em Ascensão no Studio Ghibli, Liderado por Jovens

Os espectadores de cinema americanos podem não ter se interessado por esses filmes no lançamento, mas com o tempo, um culto se formaria. Como mostrado nas vendas de DVD, A Viagem de Chihiro quase dobraria seus ganhos, enquanto O Castelo Animado (2004) ganharia quatro vezes mais depois. Os americanos começariam a ver mais do Studio Ghibli por meio de merchandising, com os Totoros de pelúcia liderando o grupo – grande parte dessas vendas sendo para entretenimento infantil.

Filmes do Studio Ghibli gradualmente se tornaram clássicos cult, em parte graças a um festival que promove filmes internacionais, incluindo os filmes do Ghibli, desde o final dos anos 90. A pegadinha com essas promoções, no entanto, era que o festival era voltado para crianças. Incapaz de escapar do mercado de animação infantil nos EUA, o Ghibli apresentou muitos de seus filmes no Festival Internacional de Cinema Infantil de Nova York. O cofundador Eric Beckman explica seu amor por anime em uma entrevista ao Anime News Network, “Eu era um grande fã inicial de Hayao Miyazaki. Cresci assistindo Speed Racer. Está em algum lugar do meu sangue.”

A paixão de Beckman por anime o levou à conexão entre ele e o Studio Ghibli. Apesar de encontrar sucesso com o filme de 2008 Ponyo, o Studio Ghibli decidiu que já era suficiente com a Disney. Com o término do contrato com a Disney, o Ghibli decidiu entrar em um novo contrato em 2011 com a próxima empresa de Beckman, a GKIDS, uma distribuidora de filmes independente especializada em animação. Com o apoio da GKIDS, o Studio Ghibli alcançou novos recordes de bilheteria nos EUA.

Em 2011, O Mundo Secreto de Arriety arrecadou $6,4 milhões em seu fim de semana de abertura. No geral, o filme arrecadou $19,2 milhões nos EUA. Após a suposta aposentadoria do diretor Hayao Miyazaki em 2013, os filmes eventualmente encontrariam uma nova maneira de ganhar atração em um novo festival de cinema dedicado ao trabalho do estúdio especificamente.

Reassistir a Biblioteca de Filmes do Estúdio se Tornou um Festival Significativo

*a partir de abril de 2024

Enquanto os fãs podiam compartilhar seu amor pelo Studio Ghibli em casa através de DVDs e eventualmente discos Blu-Ray, a GKIDS decidiu que o apoio dos fãs sozinho não era suficiente. Um novo festival chamado Studio Ghibli Fest começou em 2017, dedicando tempo de lançamento nos cinemas para todos os filmes do Ghibli já feitos. Isso não só permitiu que fãs e novatos desfrutassem dos filmes mais icônicos e populares para serem assistidos na tela grande, mas também deu atenção a filmes menos conhecidos, como Only Yesterday e Porco Rosso .

Este festival anual é apoiado pela empresa de entretenimento Fathom Events, cujo objetivo é “compartilhar experiências únicas e memoráveis na tela grande”. Seus eventos são realizados em mais de 2.000 cinemas em todo os Estados Unidos, e mais de 45 países estão envolvidos em todo o mundo. O Studio Ghibli Fest é realizado anualmente e coloca os filmes em um pedestal alto. O site chama os filmes de “filmes animados inovadores e amados”. Este festival único encontrou sucesso por mais de cinco anos, eventualmente levando a recordes de bilheteria nos Estados Unidos na casa dos milhões.

O Menino e a Garça Continuam o Suporte nos EUA

Com a crescente base de fãs e a notícia do retorno de Miyazaki, milhares e milhares de espectadores aguardavam ansiosos pelo filme mais recente do estúdio, O Garoto e a Garça. Anúncios podiam ser encontrados em toda a mídia social, e o teaser trailer no YouTube sozinho gerou mais de 3.000 comentários e muito além de um milhão de visualizações. Quando o filme estreou, a culminação de décadas de trabalho atingiu seu ponto mais alto nos EUA.

Em sua primeira semana sozinho, o filme arrecadou mais de US $13 milhões. O recorde de bilheteria dos EUA até agora atingiu o nível mais alto de qualquer filme do Ghibli, com US $46,6 milhões. Seguindo Spirited Away, O Menino e a Garça se tornou o segundo filme do Studio Ghibli a ganhar no Oscar. A arrecadação inicial do filme foi tão alta que após o anúncio de sua vitória no Oscar, o filme foi relançado nos cinemas dos EUA.

Animação sempre foi um ponto de conflito nos EUA, mas isso não impediu o Studio Ghibli de buscar uma audiência americana. Desde o uso limitado e censura da animação ao longo da maior parte do século XIX nos Estados Unidos, os filmes do Ghibli foram submetidos a alterações ou completo desprezo. Conforme a empresa encontrava mais sucesso em sua nação, o Japão, e em outros países, os EUA gradualmente começaram a se abrir para o Studio Ghibli. O que começou como um culto atrasado se transformou em uma grande celebração de seus méritos cinematográficos. Houve muitos pioneiros americanos que ajudaram a pavimentar o caminho em apoio ao Studio Ghibli, mas o verdadeiro crédito vai para os artistas que acreditavam na animação e em seu significado para o mundo inteiro.

Via CBR. Veja os últimos artigos sobre Animes.

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